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[Jeu de temps / Times Play 2017]

Participants and Submissions

Winners / Gagnants | Submissions / Soumissions | Events / Événements | Awards / Prix | Jury

The five Winning Works and Composers, as selected by an international jury, are featured on a dedicated page. Visit the Awards, Project Partners and Support page to get an overview of the ample prize packages offered to these winners thanks to the contributions of JTTP Project Partners. The winners’ works are also featured in a number of Events, Concerts and Radio Broadcasts during the year, thanks to the dedication of our many Media Partners in Canada and around the world.

However, an equally important component of the project is that all submissions to each edition of the annual Jeu de temps / Times Play project are presented online; through this initiative the CEC offers continued support to a large number of young and emerging composers and sound artists. A total of 35 composers / sound artists submitted recent works to the 18th edition of JTTP. You can read the programme notes and composer biographies below and can also click on the work titles to listen to the pieces.


Maria ATALLAH — Anatolian Memory (4:20 / 2016)

This piece explores the relationship between microtonal singing and earth materials. These sounds, including the voice, have always been appealing to humans ever since the dawn of civilization and continue to fascinate us in the 21st century.

Maria Atallah is a Canadian composer, pianist and teacher from Ottawa. In 2015, she received a Bachelor of Music degree from the University of Ottawa under the guidance of John Armstrong and Frédéric Lacroix in composition as well as Andrew Tunis in piano. Her piece Three Pieces for Unaccompanied Cello was shortlisted for the 2014 International Sorodha Composition Competition for solo cello in Antwerp and she is also a recipient of the Jean-Marie Beaudet Scholarship, awarded to a student with outstanding potential in theory and composition. Maria is currently pursuing a master’s in music composition at McGill University where she is a student of Jean Lesage. She was also named Composer-in-Residence for the Schulich Singers, McGill’s premier chamber choir, led by Jean-Sebastien Vallée. Maria’s research is inspired by the connection between ancient and contemporary music. Her thesis explores melodic, heterophonic writing articulated by acousmatic-inspired techniques.

internal video play
Samuel Béland — Naïca (7:35 / 2017)

Samuel BÉLANDNaïca (video — 7:35 / 2017)

Cette œuvre est inspirée de la Cueva de los Cristales, lieu captivant et grandiose situé dans la mine de Naïca au Mexique. La vidéomusique s’attarde à reproduire avec réalisme des matériaux facilement reconnaissables (glace, terre, fumée, cristaux), mais aux organisations et aux comportements fabuleux. C’est un microcosme minéral intemporel, un univers préanthropologique, où rien n’est à l’échelle humaine : la soupe primordiale enfouie dans le ventre de la Terre. Un peu à la manière de certains paysagistes de la peinture chinoise, Naïca présente simultanément des ilots déconnectés par l’obscurité où le vide entre les objets sert de zone tampon à l’espace. Le clair-obscur et les hors-champs sont au cœur de la narrativité et le montage classique n’intervient que très peu, laissant le rythme interne des images guider l’évolution de la pièce.

This work is inspired by the Cueva de los Cristales, a captivating and grandiose space situated in the Naïca mine in Mexico. The videomusic aims to reproduce with a sense of realism the easily recognizable materials (ice, earth, smoke, crystals) but with fabulous structures and behaviours. It is an atemporal mineral microcosm, a prehistoric universe where nothing exists on a human scale — the primordial soup hidden in the belly of the Earth. A little in the manner of certain landscape painters in Chinese Art, Naïca presents simultaneously various small islands separated by a darkness, with the emptiness between the objects serving as the spatial boundary between them. Light and darkness and the hors-champs (existing out of the field) are at the heart of the narrative; classic montage techniques are hardly present, rather the internal rhythms guide the evolution of the piece.

Samuel Béland fréquente actuellement le Conservatoire de musique de Montréal où il étudie la composition électroacoustique sous la supervision de Martin Bédard. En plus de la musique acousmatique, il s’intéresse tout particulièrement au médium de la vidéomusique, à la composition algorithmique ainsi qu’à la sociologie de l’art.

Samuel Béland is currently studying electroacoustic composition with Martin Bédard at the Conservatoire de musique de Montréal. In addition to electroacoustic music, he is particularly interested in the videomusic medium and algorithmic composition, as well as the sociology of art.

Daniel BEVC, Danil ULMASHEV — Triptych (12:27 / 2017)

A triptych is a piece of art (usually a panel painting) divided into three distinct sections that are hinged together to create a whole. Inspired by the continuity created between contrasting elements in this art form, each of the three composers created a 4:00 fixed media movement. The composition was crafted using a variety of live electronics and sampled elements, including a range of custom-built glass and percussive instruments that were designed and recorded specifically for this purpose. The three movements were combined into a singular 12:27 composition that was performed with the addition of live electronics on 7 March 2017 at the Black Box, Montréal. This is the recording of that live performance. Each of the piece’s three movements explore notions of gesture, texture movement, continuity and discontinuity from different perspectives. “Form” gives way to directionality and frenetic movement as the composition progresses. By blending and juxtaposing these different styles, we tried to imbue a sense of “flow” into the piece.

Daniel Bevc, Robin Schmidt and Danil Ulmashev are electroacoustic students at Concordia University in Montréal. The three composers are all of different cultural backgrounds: one Russian, one Deutsch and one Canadian. Although they are from different parts of the world, they are united in their love of sound design. They have a history of collaboration and are united by a love of electroacoustic music and electronic synthesis techniques.

Danil Ulmashev is a Russian-born composer and sound designer based in Montréal, Canada. Throughout the years, Danil, under various pseudonyms, has expanded his range of artistic projects all over the world. Since 2009, he has had ongoing opportunities to work with various known artists and film productions as well as with Cirque du Soleil. Recently, his sound design work has been based on computer and modular synthesis utilizing all kinds of synthesis techniques to imitate organic sounds. Currently, Danil is a student in the electroacoustics major at Concordia University and is working towards his career goals as a sound designer and a music composer.

Léa BOUDREAU — Dementia (5:10 / 2017)

La pensée, la mémoire.

Les idées qui s’entremêlent, qui se fractionnent.

Avec le temps, les oublis deviennent plus fréquents. Les répétitions s’installent, la confusion prend le dessus, les souvenirs se distordent. Ça devient hors de contrôle, enrageant et ce n’est que dans les rares moments de lucidité qu’on s’en rend véritablement compte.

Mais la dégradation ne cesse jamais.

Jusqu’à l’apathie.

Léa Boudreau est originaire des Laurentides. Elle étudie actuellement en Musiques numériques à l’Université de Montréal afin de parfaire son langage compositionnel ainsi que pour élargir ses connaissances dans le domaine des nouvelles technologies et de leur diffusion créative. Son travail effectué jusqu’à présent se caractérise par la grande présence de synthèse sonore, mais également de prises de son diverses dans le but de maximiser sa recherche des textures et des timbres. On y observe aussi un souci grandissant quant au côté conceptuel de sa musique. Elle œuvre en parallèle au sein de plusieurs groupes musicaux autant à titre d’interprète qu’en tant que compositrice et à titre d’artiste pour les travaux d’arrangements et de mixage.

Amy BRANDON — Artificial Light (3:40 / 2015)

Artificial Light is an excerpt from a 2015 cycle of compositions for guitar and fixed media entitled Scavenger, released as an album in 2016. Intended to evoke a feeling of alienation or distance from a point of origin, Artificial Light’s acousmatic component is made from digitally manipulated recordings of the composer’s previous performances. Mimicking bird calls and shrieks, the distorted sounds occasionally overpower and subsume the traced guitar lines.

Holding degrees in jazz guitar performance and composition, Amy Brandon is currently completing an interdisciplinary PhD in music cognition at Dalhousie University (Halifax). She has performed internationally (Canada, USA, Australia, New Zealand, UK) and at several festivals including the Ottawa International Jazz Festival, the Guitar Now Festival, Halifax Jazz Festival Spring Series, the International Society for Improvised Music and the 2016 Open Waters Experimental Music Festival. Upcoming 2017 performances include BeAST FeAST (University of Birmingham) and NYCEMF. Her album Scavenger was nominated for Music Nova Scotia Classical Recording of the Year 2016 and ECMA Classical Composition of the Year 2017. She has been a resident at The Banff Centre and the Atlantic Centre for the Arts, and a composer participant in Interplay with the Vancouver Chamber Choir. In addition to performance and composition, she writes and presents academic work concerning music cognition and the guitar. She has presented her work at conferences in Australia, USA, Switzerland, Hungary and the UK, and has published in Just Jazz Guitar magazine.

Charles CAMPEAU-BEDFORD — Genèse (7:12 / 2016)

Ayant toujours eu la propension à composer des pièces minimalistes, dans Genèse, j’ai voulu faire évoluer parallèlement deux trames antithétiques s’influençant mutuellement. S’approchant de l’univers esthétique des répétitistes américains comme Steve Reich ou Terry Riley, c’est, à mon sens, ma pièce la plus achevée à ce jour.

Après un Diplôme d’Études Collégiales (DEC) en interprétation Jazz, Charles Campeau-Bedford se tourne vers la musique électronique. C’est en 2014 qu’il entreprend un baccalauréat en musiques numériques à l’Université de Montréal qu’il compte compléter en mai 2018.

Philippe DESJARDINS — Balloune N° 10 (10:08 / 2017)

C’est la fête! Il y a des étincelles, des bouteilles de champagne qui font pop!, des coupes qui trinquent… et des ballounes.

Après avoir complété son baccalauréat dans le nouveau programme de musiques numériques de l’Université de Montréal, Philippe Desjardins a complété sa première œuvre électroacoustique à l’été 2016 à l’occasion du dixième anniversaire du MUDAM (Luxembourg). La pièce 10 Balloons (durée d’une heure) a servi de trame sonore à la dégustation du gâteau d’anniversaire, animée par une performance dansée. Six mois plus tard, Desjardins a ressorti les échantillons enregistrés lors des sessions de studio pour composer Balloune N°10 (durée de 10 minutes).

Louis-Olivier DESMARAIS — Abbaye (12:18 / 2017)

Témoignage sonore d’une visite à l’Abbaye de Saint-Benoît-du-Lac, où vit une communauté de moines bénédictins, ayant tous fait vœux de silence. Ils ont gracieusement accepté d’accueillir le compositeur et ses micros pour lui faire visiter les lieux, construits pour cultiver ce silence, et discuter de la vie de contemplation.

Artiste sonore basé à Montréal, Louis-Olivier Desmarais se plaît à naviguer entre différents terrains de jeux créatifs sans, toutefois, quitter le médium sonore; que ce soit la radio, la musique de film, le rock ou la composition. Son travail de compositeur s’ancre principalement dans une écriture du réel, où le jeu sur le sens sert de tremplin à l’élaboration d’une poésie par le son. Inspiré par les correspondances entre la musique, les arts visuels et le cinéma, il aime se servir des zones comprises entre le réalisme et l’abstraction pure comme matière artistique. Pour ce faire, le jeu sur les espaces, sonores et imaginaires, est un élément central de son travail. Plus particulièrement, il s’intéresse beaucoup aux rapprochements entre l’art et la spiritualité. Il est actuellement finissant au Baccalauréat en musiques numériques de l’Université de Montréal.

Jamie DUNKLE — Two Poems by H.D. (7:16 / 2017)

These two poems, “Oread” and “The Pool,” were written by the Imagist poet H.D. The æsthetic ideals of the Imagist manifesto were an inspiration for the sound materials of this piece and their manner of presentation: the terse, literal representation of objects in these lines in synergy with the pacing and orchestration of early musique concrète. With these styles as a reference, this piece is an attempt to give a close reading of the psychological narrative of each poem, accentuating and illustrating them as they are spoken. Hence the goal is not to deconstruct or reinterpret the meaning of these poems or the quality of the voice, but rather to provide them with an aural resonance.

Jamie Dunkle est un compositeur et musicien électroacoustique né à Californie et actuellement basé à Montréal. Il a développé des intérêts prononcés pour la musique drone, ambiante et la composition acousmatique. En 2017, il a complété son baccalauréat en musique, mathématiques, et technologies de la musique à l’université McGill, où il a étudié la composition électroacoustique avec le compositeur Philippe Leroux.

Jamie Dunkle is a composer and performer of electronic music born in California and currently living in Montréal. He has developed strong interests in drone, ambient music and acousmatic composition. In 2017 he completed a bachelor’s degree in music, mathematics and music technology at McGill University, studying electroacoustic composition under Philippe Leroux.

Colin FRANK — Virtual Sphere Incarnate (9:30 / 2016)

Hello, my name is Altenblpc. Rather than identify as a human being I prefer to introduce my Internet avatar: I am an incandescent floating sphere. Since the disintegration of the physical world (due to environmental destruction and institutional obsolescence), I navigate a virtual one, a pristine and open-source reality established for all of humanity’s needs. Experiences such as hiking through nature or attending orchestral concerts, impossible in the real world, are easily accessible here, and, in my humble opinion, have been greatly improved beyond the original model. It is better demonstrated than explained, so let me take you on a brief tour through this virtual space.

Colin Frank is a Canadian percussionist, composer and electronic musician born in Ottawa. Trained orchestrally, but influenced by a variety of genres, Colin specializes in contemporary music. A double major music graduate from McGill University and having studied electronic music at the Institute of Sonology (NL), Colin has performed with the National Youth Orchestra of Canada, the Sonology Electroacoustic Ensemble, the McGill Percussion Ensemble and the McGill Symphony Orchestra. His compositions have been presented internationally by The Red Note Ensemble (UK), Lights Out Listening Group (UK), 315 Ensemble (UK) and Framework Radio (online), among others. Colin is an active improviser, having built and played electronically extended percussion in the Oorsprong curators series (NL) and the CTM festival’s Hacklab (DE). He has performed and composed in festivals including the Nief-Norf Summer Festival (US), the Summer Institute for Contemporary Performance Practice (US), the Bozzini Quartet’s Montréal Creative Music Institute (CAN), the SoundSCAPE new music festival (IT) and the Internationale Ferienkurse für Neue Musik (DE). As a scholar, Colin is interested in interpreting graphic notation, human extension through technology, Canadian history and culture, and multimedia performance practice. He recently has been searching for alternative performance venues in order to bring avant-garde art to a wider audience. Aside from music, Colin enjoys cycling, camping, travelling and good home cooking.

Kevin GIRONNAY — La Caverne (11:00 / 2015)

D’après Platon. Perception floue ou réalité nette, ou l’inverse.

After Plato. Blurry perception or clear reality, or the other way around.

Finissant sa maîtrise de composition sous la direction de Nicolas Bernier, Kevin Gironnay a été influencé par les enseignements de Christine Groult, Horacio Vaggione, Denis Dufour, Jacopo Baboni Schilingi, Lorenzo Bianchi et Giacomo Platini. Sa musique a été jouée au Canada, en Chine, aux États-Unis et un peu partout en Europe. Il est membre actif, depuis 2012, du collectif Unmapped, dédié à l’improvisation électroacoustique. Il a fondé en 2016 l’Ensemble ILÉA, un groupe d’improvisation mixte, alliant instruments acoustiques et électroniques.

Kevin Gironnay crée de la musique acousmatique et mixte, il produit de la musique pour des installations, des vidéos et de la danse, et se produit dans des projets de musiques improvisées, en solo ou en collaboration. Son travail se focalise sur le domptage d’éléments chaotiques pour en faire devenir de la musique. D’où son amour de l’improvisation. Sa musique est teintée de son intérêt pour le modelage d’idées musicales dans les domaines de la micro- et macro-forme. D’où son amour de la composition.

Christopher GORMAN — Cybology (19:33 / 2017)

Cybology est une méditation sur la façon dont les humains se définissent en relation avec la technologie et l’Internet. L’auditeur est invité à envisager leur propre relation avec la technologie qu’ils utilisent et à envisager de développer une compréhension de leur niveau de connexion avec le monde « réel » par rapport aux mondes virtuels que la croissance exponentielle du pouvoir informatique a placé dans une concurrence directe et agressive pour notre attention.

I. Concepts spéculatifs d’un monde connecté
II. La loi des grands nombres
III. Modification du système de relations
IV. Cyber guerre
V. Trouver des motifs dans le chaos

Cybology is a meditation on how humans define themselves in relationship to technology and the Internet. The listener is invited to contemplate their own relationship with the technology they use and consider developing an understanding of their level of connection with the “real” world vs. the virtual worlds that the exponential growth in computational power has placed in direct and aggressive competition for our attention.

I. Speculative Concepts of a Connected World
II. The Law of Large Numbers
III. Changing System of Relationships
IV. Cyberwar
V. Finding Patterns in Chaos

Christopher Gorman est un compositeur et artiste à Montréal. Ses premières expériences, le fait de glisser une guitare électrique emprunté à son école secondaire junior dans les escaliers de sa maison, ont suscité une fascination pour les textures grossières et les éclats sonores abrupts. Son amour de frapper et de rompre les choses s’est transformé en plusieurs concerts payants en tant que batteur pour une variété de groupes de musique se produisant dans des styles complètement étrangers à lui, en élargissant ses horizons rythmiques au-delà de leur point de rupture. Beaucoup de lunes plus tard, inspirées au-delà des mots par la musique de certains de nos artistes sonores contemporains plus abrasifs, il a découvert le programme d’études en électroacoustique à l’Université Concordia, où il a étudié l’électroacoustique, la programmation et la composition. Christopher continue de créer de la musique pour plusieurs raisons, principalement parce qu’il donne à sa vie un sens du but et un défi continu.

Christopher Gorman is a Montréal-based composer and artist. His early experiences sliding an electric guitar borrowed from his junior high public school down the stairs in his home led to a fascination with coarse textures and abrupt sonic bursts. His love of hitting and breaking things transmogrified into several paying gigs as the drummer for a variety of music groups performing in styles that were completely foreign to him, expanding his rhythmic horizons beyond their breaking point. Many moons later, inspired beyond words by the music of some of our more abrasive contemporary sound artists, he discovered and entered the Electroacoustic Studies programme at Concordia University, where he studied composition, programming and composition. Christopher continues to create music for several reasons, chiefly because it gives his life a sense of purpose and continuous challenge.

Gabrielle HARNOIS-BLOUIN — Observation No. 1 (8:15 / 2017)

l’électricité sur la pointe de l’index gauche légères étincelles.
les tempes tendues sous la pression de l’air et
les mille petites ampoules qui s’allument parfois sur les joues, dans les bras, au milieu du dos.

arrêter de bouger.
observer l’intérieur.
les sensations en éclats — depuis les pieds jusqu’à la tête, agréables ou désagréables, ce n’est pas important.
et les pensées vives, chantantes, déployées
qui construisent des histoires

il y a quelque chose comme un concert.

The aim of this project was to observe the mind, identify and describe the different tracks — or states of mind — that could be revealed and then translate them into sounds. The two main materials that were recognized were sparkles of electricity (soft or dense, painful or gentle) and waves of thoughts, chanting, slowly building stories. This piece is a short excerpt of the constant, but ever-changing concert happening inside us. We tend to look for strong sensations and feeding from the outside world, but a lot may be learned and felt in our own brains and bodies.

Gabrielle Harnois-Blouin est une artiste sonore qui vit à Montréal. Sa mission principale est d’aiguiser la conscience attentive — la sienne, puis celles qui l’entourent. Elle aime surtout la nature et tout ce qui la fait sentir vivante (comme ressentir, partager et voir les choses changer). En tant qu’artiste, elle observe délicatement ce monde vivant et utilise les sons et les mots pour les décrire, leur donner un peu plus d’espace et les faire exister un peu plus fort. Elle compose actuellement entre les murs de l’Université de Montréal, collabore à des projets pour le théâtre et apprend une à une les chansons de Leonard Cohen.

Gabrielle Harnois-Blouin is a sound artist from Montréal. Her main mission is to sharpen awareness — starting with her own (and why not spread the good news?). She loves nature and all things that make her realize she is still alive (like sensations, change and sharing). As an artist, she uses sounds and words to carefully observe these things and put them in a different light. She currently composes music inside the walls of Université de Montréal, works on sound design for plays and is learning one by one all of Leonard Cohen’s songs.

Dominic JASMIN — Tag a Friend and Don’t Say Anything (10:20 / 2017)

Dominic Jasmin is a young composer currently studying electroacoustic composition at the Conservatoire de musique de Montréal. His musical practice explores the interplay of sounds in an improvised setting.

Mathieu LACROIX — Suspended Mirrors (20:59 / 2015)

Suspended Mirrors was written for Veronica Isabelle Stubberud’s bachelor examination at the Royal Danish Academy of Music in Aarhus. The piece is based on the ideas of suspension as well as mirrors structurally, harmonically, technically as well as in the electronics. The piece explores how suspensions, reflections and space react between each other. The piece was written for an 8-channel ambisonics setup that surrounds the audience while the performer is at the front.

Mathieu Lacroix is a Canadian-born composer, producer and sound programmer. In 2010, after years of playing drums in several bands, he moved to the medieval capital of Norway, taking one year to learn the language before starting a bachelor’s and later a master’s in Music Technology at NTNU. He has studied composition with some of Norway’s leading composers, such as Terje Bjørklund, Henning Sommerro and Ståle Kleiberg, and has studied electronics with the like of Øyvind Brandtsegg, Trond Engum and Andreas Bergsland. He has worked as a composer, producer, sound technician and sound designer with many different groups and artists, such as Kammerkoret Aurum, Terje Bjørklund, Kaija Saariaho, Trondheim Symfoniorkester and Manes. He currently holds the position of PhD Candidate at NTNU, working in the field of mixed music and exploring the influence between electronic and compositional processes in contemporary music.

Alexis LANGEVIN-TÉTRAULT — Apax (8:02 / 2016)

Apax reflète un processus de création marqué par un désir de déconcerter mes réflexes habituels de composition. La pièce est essentiellement constituée de différentes variations d’un seul son. Elle témoigne d’une recherche de variation dans la continuité par la modification progressive du timbre et la spatialisation. Cette pièce pour huit haut-parleurs a été réalisée à l’aide des outils de spatialisation conçus par le Groupe de Recherche sur l’Immersion Spatiale dirigé par Robert Normandeau à l’Université de Montréal. Elle a remporté le 1er prix Métamorphoses de la fondation Musiques & Recherche dans la catégorie étudiant en 2016.

Apax reflects a creative process marked by a desire to disconcert my usual composition reflexes. The work consists essentially of different variations of a single sound. It demonstrates a search for variation in continuity with the gradual changes of timbre and spatialization. This octophonic piece was composed with the spatialization tools developed by Robert Normandeau’s research group at Montréal University (GRIS). Apax won Métamorphoses 2016 prize (Musiques & Recherche’s) in the student category.

Alexis Langevin-Tétrault est un compositeur et un artiste de performance montréalais. Il a participé à la fondation de différents projets de musiques électroacoustiques et électroniques dont QUADr, Falaises, BetaFeed, Alexeï Kawolski et Recepteurz. Ses œuvres se caractérisent par l’utilisation approfondie des technologies audionumériques, par la conception méticuleuse de sons de synthèse, par une exploration du timbre sonore ainsi que par une réflexion conceptuelle. Ses œuvres ont été présentées dans de nombreux événements internationaux, dont ISEA (CA), MUTEK (CA), Transient (FR), Sines & Squares (UK), BIAN (CA), EMUFest (IT), Elektra (CAN), Matera Intermedia Festival (IT), Feast Festival (USA), NSEME (USA), Exhibitronic (BE), Mus Lab (BR), Espace du son (BE), Futura (FR) et TIES (CAN). Son travail a été reconnu par la fondation Destellos en 2014 et en 2015, par la fondation SOCAN en 2015, puis par la fondation Musiques et Recherches, par la Semaine Internationale de la Musique Électroacoustique ainsi que par le festival Exhibitronic en 2016.

As a composer, multi-instrumentalist and stage artist, Alexis Langevin-Tétrault has contributed to a variety of experimental music projects under the guises of QUADr, Falaises, BetaFeed, Alexeï Kawolski and Recepteurz, while also scoring short films and composing stage play music. His work has been presented internationally in numerous festivals such has ISEA (CA), MUTEK (CA), Transient (FR), Sines & Squares (UK), BIAN (CA), EMUFest (IT), Elektra (CAN), Matera Intermedia Festival (IT), Feast Festival (USA), NSEME (USA), Exhibitronic (BE), Mus Lab (BR), Espace du son (BE), Futura (FR) and TIES (CAN). His work was recognized by Foundation Destellos in 2014 and 2015, by SOCAN Foundation in 2015, and also by Exhibitronic festival, SIME and Musiques & Recherches in 2016.

Nick LAVIGNE — No Safe Passage (5:31 / 2017)

No Safe Passage is a 5-channel, acousmatic piece in three movements: I. At Sea, II. Old Home and III. Nowhere. The sound sources derive from personal field recordings gathered over the last year and a half, as well as new field and studio recordings created specifically for this composition. The piece explores the ideas of space, memory, location and loss through the layering, rearranging and transformation of familiar sounds, creating three different and abstract sonic “pictures”. It was composed while thinking about the ongoing refugee crisis in the Middle East and Europe which has seen thousands of people lose their homes, families and lives while attempting to flee from dangers in their home countries. This piece is dedicated to those people and their suffrage.

Nick Lavigne is a Montréal-based composer and bassist. He has composed music for film, new music ensembles, arranged music for studio recordings, and has performed with various local jazz, pop and rock bands. His current compositional interests include composing contemporary cross-genre music and electroacoustic music (particularly fixed media and mixed media works). He holds a BMus (jazz studies) from St. Francis Xavier University (2007) and is currently enrolled in the Electroacoustic Studies programme at Concordia University.

Pierre-Luc LECOURS — Éclats | Blanc (10:19 / 2015)

Éclats | Blanc fait partie d’un cycle de pièces électroacoustiques qui explore le timbre et les possibilités créatives offertes par les instruments de musique acoustiques. Ici, la flute et la timbale ont servi à la création de la base du matériau sonore à laquelle se sont ajoutées des couches de sons de synthèse. Dans cet Éclats, les deux protagonistes entrent dans un dialogue d’opposition et de fusion, dans lequel chacun devient, à tour de rôle, le personnage principal.

Éclats | Blanc is part of a cycle of electroacoustic pieces that explores the timbre and creative possibilities offered by acoustic instruments. The flute and timpani were used to create the base of the sound material upon which layers of synthetic sounds were added. In this Éclats, the two protagonists enter into a dialogue of opposition and fusion, in which each one becomes, in turn, the main character.

Compositeur et multi-instrumentiste, Pierre-Luc Lecours a débuté son parcours musical en tant qu’autodidacte pour ensuite entamer des études en composition électroacoustique à l’Université de Montréal. Il a participé à la composition et la production de plusieurs albums de musique et de bandes sonores de films, pièces de théâtre et applications numériques. Bien que ses œuvres couvrent un large éventail esthétique, il cherche avant tout dans ses pièces à créer un impact émotif et à faire jaillir des images, des impressions. Son travail fut primé par le Concours de composition de la fondation Destellos 2014, le Concours des jeunes compositeurs de la Fondation SOCAN 2014 et le concours Jeu de temps / Times Play 2014 de la CEC et il fut présenté dans plusieurs festivals internationaux, dont MUTEK, Akousma, Currents, Hot Docs, RIDM, MNM et Mois Multi.

Composer and multi-instrumentalist, Pierre-Luc Lecours began his musical career as a self-taught musician before studying electroacoustic composition at Université de Montréal. He has participated in the composition and production of several albums and film soundtracks, theatre and digital applications. Although his work covers a wide range of æsthetics, Lecours always aims to create emotional impact and to create successions of images with his music. His work was prized in the Destellos Foundation Electroacoustic Compositions Competition, the SOCAN Foundation Awards for Young Composers and in the CEC-coordinated Jeu de temps / Times Plays 2014 competition, and has been presented at several international festivals, including MUTEK, Akousma, Currents, Hot Docs, RIDM, MNM and Mois Multi.

Charles-André LEROUX — Limerick (7:56 / 2017)

An atheist’s outlook is sunny
’Cause so much of life can be funny
Without a hereafter
We cherish each laughter
And every moment tastes of honey Born from metal pieces
We find that no prayer eases
Our rusty wounds and sorrows
Like the thought of better tomorrows
and their boundless possibilities Indeed our hopes belong to the Earth
Since it’s the only realm of our mirth
We worship no statues or saviours
We chant for no one’s glory but ours
No second chance, no rebirth That is why we must devour
Every passing seconds, minutes, hours
Each downpours, sunsets, moonrises
As for the flowing present hypnotizes
Dazzling like ephemeral meteor showers As you must not inspect the sky
If for some knowledge, you’re looking to scry
But hear our iconoclasts’ voices
Echoing with the liberty of our choices
Sharing the truth about the Wi-Fi

Étudiant au baccalauréat du programme de Musiques numériques de l’Université de Montréal, Charles-André Leroux est un artiste en devenir cherchant à réaliser des projets diversifiés afin d’élargir sa palette artistique. Ayant étudié en cinéma au cégep de Saint-Laurent, Charles-André ajoute à ces pièces un côté cinématographique assumé ou le spectateur peut se créer une histoire dans sa tête. De 2012 à 2015, Leroux devient membre fondateur du groupe de postrock progressif nommé Globe Triton. Le groupe de trois membres seulement (guitariste, bassiste et batteur) se veut être un projet instrumental ou les effets de guitares et les rythmiques syncopés et changeantes sont monnaie courante. Ne prenant pas son attitude au sérieux, mais la musique au sérieux, Globe Triton signe des titres se voulant à la fois épique et humoristique. Admirateur de science-fiction, d’univers absurde et des ambiances « cartoon », il n’est pas rare d’entrevoir une touche d’humour dans plusieurs de ces projets. Réalisant actuellement des projets d’électroacoustique, Charles-André tâte le terrain de la musique électronique et désir combiner ces multiples intérêts dans la production de vidéomusique ou la production sonore pour jeux vidéo.

Xavier MADORE — Les loges de la suite (11:11 / 2017)

Les loges de la suite se veut être une introspection; une complétion personnelle par réutilisation d’objets sonores tirés des disciplines musicales que j’ai autrefois regretté ne pas avoir perfectionnées… ou bien d’avoir abandonnées. Ces éléments transcendés et réarticulés avec le souci d’une prise de conscience de mes tendances compositionnelles font à la fois office d’un regard vers le passé et d’un aiguillage vers le futur; d’une loge d’où contempler la suite.

Les loges de la suite is meant as an introspection, a personal completion by reusing sound objects drawn from the musical disciplines that I once regretted not having perfected… or simply abandoned. These elements, transcended and re-articulated with concern and awareness of my compositional tendencies, serve at once as a look into the past and as a guide for the future — from a gallery, contemplating what’s next.

Xavier Madore étudie présentement à la maîtrise au Conservatoire de Musique de Montréal en Composition Électroacoustique. Parallèlement, il s’adonne aussi à l’enregistrement, au mixage, au sound-design ainsi qu’à la conception sonore pour le théâtre et la danse. Clarinettiste à la base, c’est son penchant pour la chanson et la poésie qui déteint le plus sur son travail. Ses réalisations sont axées sur la recherche de structures discursives et préconisent un discours aux gestes articulés. Son travail a notamment été primé dans le cadre de plusieurs concours de composition de renommée internationale ainsi que présenté dans plusieurs festivals au Canada, aux États-Unis, en France, en Angleterre, en Allemagne, en Suisse et en Italie.

Xavier Madore is currently studying at the Conservatoire de Musique de Montréal in Electroacoustic Composition. At the same time, he is devoted himself to recording, mixing, sound design and composing for theatre and dance. Firstly a clarinetist, his inclination for song and poetry influences much of his work. His pieces are particularly focused on finding a discursive structure and advocate a speech of articulated gestures. His works have been awarded by many international composition contests — notably JTTP (1st Prize in 2015 and in 2017) and JIM 2015 (3rd place ex-æquo) — and have been presented in several festivals in Canada, the United States, England, Germany, Italy, France and Switzerland.

Xavier MÉNARD — Fragmentation(s) (6:50 / 2017)

Des impulsions diverses sont envoyées dans un système de boucles infinies. Le résultat est enregistré sur cassette pour être ensuite manipulé numériquement. Le discours articulé provient de ces impulsions et par la fragmentation numérique des sons enregistrés sur la cassette. La source de tous les sons provient de ces enregistrements. Le concept repose sur l’idée d’utiliser un procédé de création sonore appartenant à l’époque analogique pour ensuite appliquer des procédés de fragmentation rendus possibles grâce au numérique. Dans une boucle infinie, chaque microgeste a le pouvoir de changer le résultat final.

Various pulses are sent in a system of infinite loops. The result is recorded on tape and then digitally manipulated. The articulated sound comes from these impulses and by the digital fragmentation of the sounds recorded on the cassette. The source of all sounds comes from these recordings. The concept is based on the idea of using a method of sound creation belonging to the analogue era and then applying fragmentation processes made possible by digital means. In an infinite loop, each micro-gesture has the power to change the final result.

Xavier Ménard est un compositeur montréalais. En 2014, il découvre la musique électroacoustique via les œuvres de Bernard Parmegiani. Cette découverte l’incite à s’inscrire au Baccalauréat en musique numérique de l’Université de Montréal. Grâce aux cours de créations sonores de Nicolas Bernier et aux cours de composition avec Robert Normandeau, il compose ses propres œuvres électroacoustiques. Il crée ses sons à partir de différents dispositifs électriques (interrupteurs, consoles de mixage, oscillateurs). Pour ses compositions, il est inspiré par le contraste entre les microsons et les sons de très longue durée issue de boucles infinies. Au printemps 2017, il a travaillé sur un projet d’installation sonore inspiré par son œuvre On/Off (1,0) avec la designer Camille St-Amand. Cette installation a été exposée dans le cadre du festival Art Souterrain à l’Université de Montréal. De plus, il joue du synthétiseur et de la guitare dans un groupe rock francophone (Autruche). Aussi, il forme un duo de musique électronique minimaliste avec Emmanuel Boucher (Latency Jarry). En 2017, il a lancé son album Tensions bien tempérées avec la maison de disque montréalaise Kohlenstoff Records.

Xavier Ménard is a Montréal-based composer. In 2014, he discovered Bernard Parmegiani’s works, and his subsequent and growing interest in electroacoustic practices led him to studies at the Université de Montréal in digital music. His first electroacoustic works were informed by courses in sound creation by Nicolas Bernier and in composition by Robert Normandeau. His compositions, which employ sounds created from various electric devices (switches, mixers, oscillators), are inspired by the contrast between micro-sounds and very long sounds issued from infinite loops. In spring 2017, he developed a sound installation project with designer Camille St-Amand that was inspired by his previous work On/Off (1.0). This installation was exposed during the Festival Art Souterrain at the Université de Montréal. Ménard plays synthesizer and guitar in the French rock group Autruche and is part of Latency Jarry, a minimalist electronic music duo. In 2017, he released Tensions bien tempérées with the Montréal-based label Kohlenstoff Records.

Alexandre PARADIS — A North American Human Life (5:00 / 2017)

Une Vie nord-américaine est une réflection de plusieurs concepts de notre société : « American way of life », individualité, romantisme et matérialisme économique. Chaque minute de la pièce représente 16 ans (hexadécimal) dans une vie nord-américaine moyenne. Plusieurs « passages de vie » qui sont appris à un jeune âge sont représentés de façon sonore à travers la pièce. La vie humaine et joie ou conceptuellement, Éros (corps humain, famille, un nouveau bébé), autant que le stress, ou Thanatos (anxiété, dépression à un certain âge, drogues et party au début de l’âge adulte) sont identifiés en tant qu’objets sonores cycliques qui voyagent à travers la pièce avec plusieurs événements de vie qui arrivent à certains moments. Chaque son cyclique est à différente vitesse, texture et amplitude, qui permet de briser la monotonie et continuité à travers la pièce.

A North American Human Life is a 5-channel fixed media electroacoustic piece that is a reflection of many concepts in our society: the “American” way of life, individuality, Romanticism and economic materialism. Each minute of the piece represents 16 years (Hexadecimal) in an average North American life (0:00–1:00 = 0–16 years old, 1:00–2:00 = 16–32 years old, and so on). Many “life passages” that are learned at a young age are sonically represented throughout the piece. Human life and joy, or conceptually, Eros (new life, happiness, comfort), as well as stress, or Thanatos (anxiety, depression at a certain age, drugs and party at early adult life) are sonically identified as different sound objects that travels through the piece along with life-changing events that occurs at specific moments. This electroacoustic piece is a mixture of recorded sounds (cymbals, cups, metallic bowls, piano and saxophone) and synthesized sounds from the Doepfer A-100 analogue modular synthesizer. To break from the dullness and monotony of the numerous cyclic sounds objects created with the Doepfer, a multitude of technique was used to complexify each sound: phasers, tremolos with varying frequency rate, motion through the channels, variable hi-cut and low-cut equalizers and grain delays with time-varying parameters.

Alexandre Paradis est un designer sonore vivant à Montréal. Né et grandi dans la campagne de Québec, son premier instrument fut l’ordinateur avec la découverte de programmes de notation musicale. Depuis 2015, Alexandre a décidé de travailler professionnellement sur des courts métrages à Montréal qui ont été présentés et couronnés dans plusieurs festivals de la région. Il s’inscrit à l’université Concordia dans le programme « Electroacoustics Major » en septembre 2016. Avec l’aide des lectures et tutoriels de Kevin Austin, la première année fut une expérience transformative.

Alexandre Paradis is sound designer living in Montréal. Born and raised in the countryside of Québec, his first instrument was the computer with the discovery of multiple music software technologies. Since 2015, He has worked professionally on short films in Montréal that have since been awarded and featured in cinema festivals in the region. Alexandre enrolled at Concordia University in the Electroacoustic Major Programme in September 2016. With the help of Kevin Austin’s lecture and tutorial, his first year was a transformative experience. His work, A North American Human Life, embraces every influence, research and thinking combined throughout the last years.

Claude PÉRIARD — Pôles (9:30 / 2016)

Pôles représente le mouvement naturel entre les solstices, comme un long fondu-enchaîné. Ce mouvement peut aussi être vu sous l’angle de la tension oscillant entre les pôles électriques négatif et positif, ainsi qu’à la forme de la courbe sinusoïdale du son. La pièce présente deux paysages naturalistes qui se synthétisent progressivement, comme une peinture de paysage figurative se métamorphoserait en tableau abstrait. Ces deux épisodes (été et hiver) atteignent chacun un paroxysme électrique représentant la technologification du monde. Le chant mélodique d’un oiseau, le bruant à gorge blanche, agit comme leitmotiv mélodique à travers la pièce, qui commence et se termine sur un vent désertique. Bref, Pôles explore notre relation à la nature et à la technologie.

Pôles represents the natural movement between solstices, as two long cross-fades. Also this movement can be seen as the tension oscillating between positive and negative electric poles and the sinusoidal shape of a sound wave. It presents two naturalistic soundscapes which get progressively synthetic, as a natural landscape painting would transform into abstract forms. Those two episodes — summer and winter — reach an electrical paroxysm that represents the technologification of the world. The melodic singing of a bird, the white-throated sparrow, acts like a leitmotiv all through the piece, which begins and ends on a desert wind. Globally, Pôles talks about our relation with nature and technology.

Claude Périard est issue du monde de la musique. D’abord pianiste et chansonnière, elle étudie maintenant la musique numérique à l’Université de Montréal et s’aventure sur les chemins des arts technologiques, médiatiques et de l’art sonore. Elle s’adonne aussi à l’art visuel, la littérature et l’art de performance. Périard est une artiste multidisciplinaire de l’underground et de l’art politique, queer et féministe.

Claude Périard came from the world of songwriting. Firstly a pianist and songwriter, she now studies digital music at Université de Montréal and is exploring new paths in technological arts. She also practises visual arts, literature and performance art. Périard is a multidisciplinary artist from the underground, queer and feminist scene.

Jean Philippe PIERRE-LOUIS — Kitschhhhhh (5:48 / 2017)

« Le kitsch a pu être considéré comme une dégénérescence menaçant toute forme d’art ou au contraire comme une forme nouvelle d’art du bonheur »
—A. Moles

Cette pièce est une étude de rythme inspirée par un clone fait-maison de la boîte à rythmes utilisée par Jean-Michel Jarre dans son album Oxygène. Kitschhhhhh tente de brouiller notre définition du goût et mettre en valeur la fragilité du jugement esthétique. Avec un mélange de matériaux « démodés » et de pratiques actuelles je tente de transmettre mon propre étonnement face au plaisir que j’ai eu à redécouvrir cet univers « dépassé » qui revient à la mode.

Né à Quito en 1989, Pipo Pierre-Louis est un compositeur, artiste en nouveaux médias et vidéo. Directement influencé par un milieu multiculturel et une grande variété de disciplines académiques dès sa plus jeune enfance, il crée des œuvres et des performances centrées sur la musique. Depuis 2010, il se consacre à la création d’œuvres qui mélangent musiques numériques, vidéo et dispositifs interactifs. Son travail est fortement inspiré par des problématiques sociales, la modernité et l’engagement environnemental — concepts qu’il essaye de rendre perceptibles à travers une poésie audiovisuelle épurée. Actuellement, il poursuit une maîtrise en composition électroacoustique sous la supervision de Jean Piché et Nicolas Bernier.

Pipo Pierre-Louis is a composer, sound, video and new media artist born in Quito (Ecuador) and established in Montréal. Directly influenced by an array of different cultures and a variety of academic disciplines since his early life, he creates new media art, musical-based compositions and performances shaped by rich personal experiences. His artistic concerns focus on social behaviours, modernism and environmental activism in a constant research to translate them with technological media. Presently, he is undertaking a master’s degree in electroacoustic composition under the direction of Jean Piché and Nicolas Bernier.

Kasey POCIUS — Metro (4:28)

Metro is a 5-channel point source electroacoustic piece composed of recordings recorded around the city of Montréal from February to April 2017, along with use of the Doepfer A-100 series modular analogue synthesizer located at Concordia and use of digital editing and processing. Metro is a piece meant to convey the experiences of a new arrival to the city riding and exploring the metro for the first time. It was completed in fulfillment of the first year electroacoustic composition at Concordia.

Originally from St. John’s (Newfoundland), audio artist Kasey Pocius grew up experimenting with audio editing and MIDI sequencing software while also pursing classical training in both viola and piano. In late 2014, Kasey began to concentrate more intensively on the creation of digital audio works. Initially the focus of this work was on more traditional tone-based works but has since quickly been realigned towards the pursuit of electroacoustic composition, notably through entering the Electroacoustic Studies programme at Concordia University in Montréal.

George RAHI — Hidden City (11:17 / 2017)

Hidden City features field recordings, radio scanning, improvised cello, organ and electronics to create a densely layered sound tapestry of urban life and personal memory. Inviting deep listening of slot machines, transit operators, port workers and parking by-law officers, Hidden City reflects upon the varied entities and agents that produce and reproduce the city, as seen, heard and remembered whilst surveying Vancouver’s skyline from the shoreline.

George Rahi is an artist whose work spans sound art, music, interactive installation and public art. Drawing from diverse frames of reference, he interweaves insights from experimental geographies, soundscape studies and the performing arts to create situations, interventions and sounds that enact new forms of autonomy, conviviality and participation. He has produced performances and installations for the Western Front, Miscellaneous Productions and Vancouver New Music. He earned a BA degree in Human Geography from the University of British Columbia and is an MFA candidate in the School of Contemporary Arts at Simon Fraser University. He is currently an artist in residence at the Hadden Park fieldhouse, unceded x m kw y m, S wx wú7mesh and S l ílw ta territories, Vancouver.

Sacha RATCLIFFE — Les Ondes du bonheur (5:22 / 2016)

Sacha Ratcliffe est artiste sonore et graphiste basée à Montréal. Depuis l’obtention d’un baccalauréat en beaux-arts, spécialisé en Film Production, de l’école de cinéma Mel Hoppenheim de l’Université Concordia, Sacha produit une série de projets multimédias axés sur le son. À titre de conceptrice sonore, Sacha collabore avec plusieurs cinéastes, dont le récent projet de Matthew Rankin, Tesla : Lumière mondiale (2017) qui sera présenté à Cannes, dans la section Semaine de la Critique. Son installation audiovisuelle Bruit de l’Inconnu a été présentée au festival Made in Friche : Machines à Marseille, France, en novembre 2015. Sa nouvelle installation sonore Les Ondes du Bonheur sera présentée à l’Espace Cercle Carré à Montréal en mai 2017. Elle travaille actuellement sur son premier album de musique, grâce au généreux soutien de PRIM par le biais de leur programme d’aide à la production.

Sacha Ratcliffe is a sound designer and graphic designer, based in Montréal. Since completing a Bachelor’s degree in Fine Arts, specializing in Film Production from Concordia University’s Mel Hoppenheim School of Cinema, Sacha has been working on her creative practice, building a considerable body of sound-based media projects. As sound designer, Sacha has collaborated with many visual artists and filmmakers, including Matthew Rankin on his most recent short film, Tesla: World Light (2017), which will be presented at Cannes in the Semaine de la Critique section. Her installation Noises of the Unknown was presented in Marseille, France, in 2015. Her new sound installation Les Ondes du Bonheur will be showcased at the artist-run Montréal centre Espace Cercle Carré in May 2017. Her next ambitious project is to produce her first studio album, a project that will take shape in 2017, thanks to the generous support of PRIM via their production assistance programme.

Jérémie RICARD — Que nous eûmes bondi (7:55 / 2017)

Est-il possible de faire de la musique électroacoustique légère et amusante? C’est à partir de ce questionnement que j’ai composé cette pièce. Est-ce que j’ai réussi? À vous de juger. Mais ce qui est certain, c’est que vous aurez droit à quelques rebondissements!

Is it possible to make light and funny electroacoustic music? It’s from this questioning that I composed this piece. Did I succeed? Your turn to judge! But one thing is sure, you will be entitled to some rebounds (twists and turns).

De 2000 à 2005, Jérémie Ricard a fait ses études en musique, en enregistrement et en sonorisation au Cégep de Drummondville. C’est à cette époque qu’il a été initié à la musique électroacoustique et à ses méthodes de création. Depuis, il a toujours été fasciné par les sons de toutes natures et à leur porter une attention particulière. Après ses études, il a participé à plusieurs sessions d’enregistrement et de mixage en studio, mais c’est surtout le travail de sonorisateur qui a occupé ses dix dernières années. Il a joué de la batterie dans plusieurs projets musicaux où il en profita pour améliorer ses techniques de mixage et de prise de son en enregistrant chaque répétition. À l’automne 2015, il décide d’approfondir ses connaissances sur les technologies musicales en allant étudier à l’Université de Montréal.

From 2000–2005, Jérémie Ricard studied music, recording and sound reinforcement at Cégep de Drummondville, where he was introduced to electroacoustic music and its creative methods. Since then, he has been fascinated by all kinds of sounds around him and has showed a particular interest in them. Following his studies he participated in several recording and mixing sessions in the studio but his work over the past ten years has mainly been as soundman. He also played drums in several musical projects, taking the opportunity to improve his mixing and sound recording techniques by recording each and every rehearsal. Over the years, he made some sketches of composition that tended towards electroacoustics, and finally in autumn 2015 he decided to deepen his knowledge of this musical style by returning to study at Université de Montréal.

Dominic SAMBUCCO — Les Voix du fleuve (8:18 / 2016)

« Doux était le chant de toutes les voix du fleuve. Siddhartha regarda dans l’eau et, dans cette eau qui fuyait, des images lui apparurent […]. Il était tout oreilles. Ses facultés étaient tendues vers ces bruits et plus rien n’existait pour lui que ce qu’il percevait; il absorbait toutes ces rumeurs, s’en emplissait, sentant bien qu’à cette heure il allait atteindre le dernier perfectionnement dans l’art d’écouter.  »
—Hermann Hesse, Siddhartha (1922)

“Softly sounded the river, singing in many voices. Siddhartha looked into the water, and images appeared to him in the moving water…. He listened. He was now nothing but a listener, completely concentrated on listening, completely empty, he felt, that he had now finished learning to listen.”
—Hermann Hesse, Siddhartha (1922)

Guitariste, compositeur, sound designer et peintre, Dominic Sambucco est un artiste italo-québécois étudiant à l’Université de Montréal en musiques numériques.

Guitarist, composer, sound designer and painter Dominic Sambucco is an Italian-Canadian artist studying at the Université de Montréal in electroacoustic music.

Pierre-Luc SENÉCAL — Urban Gardens (11:25 / 2017)

Urban Gardens a été composé à partir d’enregistrements captés lors d’un voyage en Europe à l’été 2016. Sur ce continent où il est encore possible de circuler librement, les aéroports, gares, agoras et parcs sont autant d’espaces publics que l’on peut découvrir à pied, en train, etc. Ainsi, la pièce s’inspire de l’énergie intarissable de ces objets et de ces lieux. La seconde partie réfère à la vingtaine de musées et lieux de mémoires de la Deuxième Guerre mondiale que j’ai visités. En contraste avec la vivacité de la pièce, les paysages sonores provenant des camps de concentration évoquent la sérénité, mais aussi les vestiges ombrageux qui se dressent sur ces terrains vagues, ces « jardins publics ». En somme, Urban Gardens induit ma croyance que la Vie continue de proliférer. Même après le désastre.

Urban Gardens was composed with sounds recorded during a trip in Europe in the summer of 2016. On this continent, where it is still possible to roam freely, airports, train stations, malls and parks can be considered as public spaces that one can discover on foot, by train, etc. For this composition, I was thus inspired by the inexhaustible energy of those objects and locations. The second part refers to the twenty or so World War II museums and memorial sites that I’ve visited. In contrast to the vivaciousness of the piece, the soundscapes retrieved on site in various concentration camps evoke the tranquility, but also the gloomy traces that remain on those barren lands, those “public gardens.” Somehow, Urban Gardens reflects my belief that Life goes on. Even after the disaster.

Compositeur, rédacteur, concepteur sonore pour le théâtre, Pierre-Luc Senécal est reconnu pour sa curiosité et sa passion invétérée. Au théâtre, comme en salle de concert, et plus récemment en musique de film, ses compositions sont marquées par un sens du drame et de la poésie. L’expression de la violence et d’une beauté cathartique est au cœur d’une fresque de pièces acousmatiques qu’il composera au courant de sa maîtrise à l’Université de Montréal. Son travail a été présenté aux États-Unis, au Canada, à Monaco et en Allemagne. Sa pièce, Schrei, une œuvre portant sur le génocide nazi, a été présenté durant le San Francisco Tape Music Festival 2014 et le projet d’exposition soundLAB — soundCollective.

Composer, music critic and regular sound designer for theatre, Pierre-Luc Senécal is piecing together his reputation as a curious and dashingly passionate artist. His compositions for concert, theatre and film bear his fondness for drama and poetry. The expression of violence and cathartic beauty is at the core of a series of acousmatic pieces he’ll be composing during his master’s degree at University of Montréal. His work has been presented in the United States, Canada, Monaco and Germany. His piece, Schrei, a composition on the thematic of the Nazi genocide, has been presented during the San Francisco Tape Music Festival 2014 and the soundLAB — soundCollective exhibition project.

Vanessa SORCE-LÉVESQUE — An Almost Abstract Experience (11:11 / 2016)

Trouver l’équilibre et se centrer sur la simple limite entre ce qui nous garde intact et ce qui nous fait chavirer: ce peut bien être là comment la musique trouve son existence. Bien que cette pièce soit faite de mondes surréels inspirés d’invisibles courants d’imagination, elle est faite de sources sonores bien concrètes et réelles. Sa nature fluide en fait donc une expérience presque abstraite (« An Almost Abstract Experience »). Composée aux studios de Visby Tonsättarcentrum, EMS Stockholm et USSS Sheffield.

Finding balance and focusing on the very limit between what holds us together and what tips us over: this may well be how music comes to be. Where this piece abounds with surreal worlds inspired by the deepest invisible energy streams, it is also made of very real, concrete sound sources. By its fluid nature it therefore becomes an almost abstract experience. Composed at Visby Tonsättarcentrum, EMS i Stockholm and USSS Sheffield.

Avec les nombreux projets la faisant souvent voyager, Vanessa a développé une sensibilité aux environnements qui l’entourent et à leurs natures multiples et complexes. Cet intérêt est l’un des aspects les plus manifestes de sa musique. L’environnement est par ailleurs le sujet principal de sa recherche en vue de son doctorat à Sheffield, R.-U.

Through a number of projects that kept her constantly travelling from place to place, Vanessa has developed a high sensitivity to environments and their complex, evolving natures. It has come to be one of the most important aspects of her composition. Environment is also the main theme of her PhD research at Sheffield (UK).

Kıvanç TATAR — Stuck Between Two Marginals (13:22 / 2016)

Stuck Between Two Marginals is an abstraction that represents the feeling of living in two marginal cultures. It is an oscillation between the chaos and the order. One culture is full of fire, disorder, joy, desire, sorrow, intimacy, whereas the other is characterized by tranquility, individualism, sedateness, order, happiness,… Çekiç is nothing but an ideal tool to smash the sound, authority, æsthetics, order, autocracy, cloudy weather, oppression, racism, silence, rain, passiveness, assimilation…

Kıvanç Tatar is a musician playing trumpet and electronics, a composer interested in experimental music and a researcher studying artificial intelligence on the applications of music. His work has been exhibited in Germany, Italy, Brazil, Australia, USA, Canada and Turkey in such events as Mutek_IMG and the cultural programme at 2016 Rio Olympics. His performance practice combines free improvisation with live electronics. Currently, he is a PhD student at School of Interactive Arts and Technology, Simon Fraser University (Vancouver). In the Metacreation Lab, he is working on audio synthesis, generative art, musical composition, musical performance with artificial intelligence and Musical Metacreation.

Danil ULMASHEV — Binary Abstractions (20:32 / 2017)

Computer-mediated technologies or social media have become an important part of the everyday life of many individuals in the past decade. Internet life and user-generated content became so important that people tend to depend their lives on online interactions and social networks while not noticing real events around them. The narrative of the piece follows a similar idea where everything is made of digital sounds and there is no presence of organic elements. Through each of the movements, electronic sounds constantly morph into various moods that would somewhat represent the experience of Internet life user.

Danil Ulmashev is a Russian-born composer and sound designer based in Montréal, Canada. Throughout the years, Danil, under various pseudonyms, has expanded his range of artistic projects all over the world. Since 2009, he has had ongoing opportunities to work with various known artists and film productions as well as with Cirque du Soleil. Recently, his sound design work has been based on computer and modular synthesis utilizing all kinds of synthesis techniques to imitate organic sounds. Currently, Danil is a student in the electroacoustics major at Concordia University and is working towards his career goals as a sound designer and a music composer.

Joey ZAURRINI — Living Spaces (5:23 / 2017)

Using field recordings of busy intersections, shopping malls, metro stations and markets, this stereo composition explores the repetitive macro noise profile and the hidden micro details embedded inside the average urban soundscape. Living Spaces unravels and overlays the unique sound profiles of various spaces and utilizes the city as a musical instrument, playing with expectation and tension to subvert the listener’s expectations. The first section contains elongated recordings of city drones that mask other frequency activity; the second section introduces sounds that can be heard peaking out of the drones due to their varying frequencies, higher intensity and sharp attacks; finally, the third section makes way for more percussive and less repetitive foreground material, driven forward by the sounds of walking in the snow. In this respect, this composition is an effort to accentuate city drones, reorder the small details such as sounds produced by birds or humans and sensitize the listener to narratives found within sonic spaces; it is a sound travelling experience held together by a string of communication, from one sound object to the next.

Joey is a Montréal-based music composer and sound designer, working in a wide variety of fields including film, theatre and dance. Using sound to facilitate narratives and create stories of his own, he spends most of her days immersed in a laboratory of noise and electronics, where every object is a potential instrument. His areas of interest include decoding the compositions of soundscapes, researching trends in cityscapes and experimenting with the idea of “une niche fréquentielle”, or a frequency niche out of which his next story will unfold. He can be found attending workshops and classes, in the middle of deep collaborations or roaming streets and deserted hallways with a recorder in hand.

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