JTTP 2011

Jeu de temps / Times Play

Results / Résultats

The CEC is pleased to announce the results of the twelfth edition of the CEC’s annual project for young and emerging composers in Canada, JTTP. More information on the project can be found here. The next deadline is May 1, 2012.

Gagnants / Winners | Participants | Prix / Awards | Jury | CD Cache 2011 | Soumissions / Submissions

Winners / Gagnants

NB: Due to a tie, the jury has awarded two 1st Prize winners for JTTP 2011.

1. Maxime Corbeil-Perron — Fragments (9:52 / 2011)
   Marc-André Perron — Effervescence / Somnolence (10:24 / 2010)
2. David Arango Valencia — Canción de Otraparte (12:04 / 2011)
3. Jullian Hoff — Scratch (12:06 / 2011)
4. Guillaume Barrette — Parasite (10:00 / 2011)
5. Guillaume Campion — Neige cendre (11:24 / 2011)

The top 5 placing composers as selected by the international jury receive CEC memberships and prizes donated by our Project Partners: DVDs and CDs, books and journals. Additionally, the top 3 placing composers receive cash prizes.

CD Cache 2011

Participants

This year a total of 39 composers submitted their work to the project. By clicking on the names below you can read programme notes and biographies for each work submitted, and listen to works submitted to the project.

Awards and Project Partners / Prix et partenaires

We are extremely grateful for the continuing support of our many Project Partners, who help ensure the success of the project and help us recognize the work of the upcoming generation of composers / sound artists. Several people and institutions from Canada and abroad donate cash, recordings, books and journals for prizes awarded to the top 5 placing composers. JTTP Media Partners broadcast and diffuse works in concert from the project.

If you wish to make a donation or become a Project Partner for the next edition of JTTP, please contact the JTTP Project Manager.

Jury

This year’s international jury was made up of 40 individuals having a variety of backgrounds and experiences: composers, performers, representatives from various international bodies, radio personalities, electroacoustic educators and past JTTP Top 5 winners.

Submissions / Soumissions

Aaron R. ACOSTA — Tiles (video — 3:16 / 2010)

Tiles uses video with fractal elements created with artmatic pro and an electroacoustic score to exemplify the contrast between imposed organization and the natural state.

Aaron Acosta is a graduate from the College of Santa Fe with a BA in Sound Design in Media in 2002. This is a self-designed major that consists of studies in Theatre, Film, and Music. Sound helps us interpret the world in a unique way with frequency, amplitude and time: he chooses to explore these realms. He is involved with electroacoustic composition as well as more traditional composition and currently resides in Sydney NS, Canada. Two CDs called frequency, amplitude and time and wave are available from Aaron Acosta at www.cdbaby.com/all/benkei Subscriber: Electronic Music Foundation. Member USITT & CITT.

James ANDEAN — Medusan Torso (10:38 / 2011)

“Medusan Torso” was inspired by m! y work with visual artist Merja Nieminen on the installation “Re:****Sitruuna ja meduusa”, which appeared at Galleria Aarni in Espoo, Finland in February 2011. “Torso” is composed entirely from the sound material from this installation; but where this material was deconstructed for the installation, then re-composed in real-time by the software governing the virtual projected environment, here it has been shaped and fixed to a timeline, allowing for a very different exploration of these same materials, and offering very different results.

James Andean is a doctoral student at the Centre for Music & Technology of the Sibelius Academy, in Helsinki, Finland. He is active as both a performer and a composer in a range of fields, including electroacoustic composition and performance, improvisation, sound installation, and sound recording. He is a founding member of improvisation and new music quartet The Rank Ensemble and of the sound collective Resonator Helsinki. He has performed in Finland, Sweden, Russia, Germany, Italy and Canada, and his works have been performed in Finland, Norway, Russia, Portugal, Canada and China.

David ARANGO VALENCIA — Canción de Otraparte (12:04 / 2011)

Canción de Otraparte (Chanson d’ailleurs) est une pièce qui s’inspire de l’œuvre littéraire Viaje à pie, écrit par le philosophe colombien Fernando González. Pour cette œuvre, je recherche une idée innovatrice et authentique en prenant des routes et des méthodes déjà existantes pour m’avancer au milieu des différents espaces musicaux. Mais aussi, je tiens à m’échapper de cette route pour découvrir des nouveaux horizons, des nouvelles idées et pouvoir élargir mon univers musical.

Canción de Otraparte, the Spanish equivalent of “Elsewhere Song” was inspired by Viaje à pie (Journey on Foot), a book written by Colombian philosopher Fernando González. In this book, González is in search of innovation and decides to set off on a journey. Throughout his journey, his ideas become influenced by that which surrounds him and as a result, his initial ideas are transformed. Paralleling this book, Canción de Otraparte is a search for innovation. Exploring the city in which I live, I wanted to capture the sounds of Montréal and allow them to direct the piece, both influencing and transforming it. Some of the sounds used are street traffic, subways and the Symphonie portuaire, an outdoor concert held in Montréal’s old port, in which boat horns, trains, helicopters and church bells are showcased. Some of the sounds recorded indoors include crystal glasses, tunnels in the underground city, the shattering of glass and broken ceramic.

David Arango-Valencia (Medellin, Colombie, 1981). Son exploration musicale débute aux claviers électroniques et au piano classique. Suite à ses premières expériences, David s’intéresse à la conception sonore comme méthode de recherche d’un langage musical authentique. Il exploite ses premières idées au sein de formations de musique populaire. Il a participé à plusieurs projets d’enregistrements et a fait de la prise de son et de la conception sonore pour des documentaires et des courts métrages. C’est au Cégep de Saint-Laurent que David découvre une nouvelle voie d’expression sous la direction de Michel Tétreault et Pierre-Marc Beaudoin, professeurs de composition électroacoustique. Aujourd’hui, David continue son exploration de la musique acousmatique sous la direction de Martin Bédard à l’Université de Montréal.

David began his music career as a keyboard player in various types of projects, including: pop, electronic, and industrial, while possessing a background in classical piano. After his first experiences, he became interested in sound design and the ability to use sound in order to create, as well as explore, a unique language within music. He exploited his first ideas through various sound design projects, which included sound field recordings for documentaries and short films. It wasn’t until college, when he attended Cegep de St-Laurent, under the direction of electroacoustic composers Michel Tétreault and Pierre Marc Beaudoin that he really discovered a new, in-depth way of expressing himself. Today, David continues to explore the boundaries of electroacoustic music at Université de Montréal under the direction of Martin Bédard and Jean Piché.

Guillaume BARRETTE — Parasite (10:00 / 2011)

Parasite est une pièce acousmatique mélangeant des sons de mon quotidien des dernières années. Ainsi, j’y présente mon intérêt pour la guitare et les instruments de musique traditionnelle, en plus de sons plus synthétiques, électroniques. Lors de mon séjour en Angleterre, à l’automne 2010, j’ai appris la conception de petits synthétiseurs analogiques. Utilisant la résistance du corps humain pour leur jeu, les sons obtenus peuvent être étonnants et inattendus. Appréciant cette propriété de créer des sons d’allure quasi aléatoire, j’ai décidé d’en enregistrer quelques extraits et de jouer avec en les incorporant dans ma pièce.

Parasite is an acousmatic work that uses the sounds of my daily life in recent years. My interest in the guitar and instruments used in traditional music is apparent in the work, as is my appreciation of sounds created synthetically, electronically. During a trip to England in Fall 2010 I learned how to build small analogue synthesizers and discovered that by using the resistance of the human body as a controller, striking and unexpected sounds can be generated. I explored with enthusiasm the potential for this interface to create sounds having a quasi aleatoric character and decided to record a number of excerpts to play with and incorporate in this piece.

Originaire de la ville de Québec, Guillaume Barrette complète ses études au Cégep de Sainte-Foy au programme de science nature et musique. Par la suite, pour allier ses principaux champs d’intérêt, il entame des études en composition électroacoustique à l’Université de Montréal. Récipiendaire du premier prix de la fondation SOCAN en 2010 et du quatrième premier prix au concours JTTP 2009, il revient d’un séjour enrichissant en Angleterre où il a pu parfaire sa démarche artistique à l’université De Montfort.

Originally from Québec City, Guillaume Barrette completed his studies at Cégep de Sainte-Foy in Natural Sciences and in Music. Afterwards, in order to combine his main interests, he undertook studies in electroacoustic composition at the Université de Montréal. Recipient of the first prize in the 2010 SOCAN Foundation’s Awards for Young Composers and fourth prize in finalist in the CEC’s JTTP 2009, he has just returned from England, where he has completed an enriching séjour to pursue his artistic studies at De Montfort University.

Antoine BOUCHARD — Wagon bleu / Blue wagon (4:15 / 2011)

Wagon bleu transporte ses passagers sur les rames d’une métaphore onirique. À son bord la réalité, les souvenirs et l’imagination s’entrecroisent. Un intercom et des bruits de métro, des notes de guitare, une étrange leçon de physique et le rythme d’un escalier roulant sont quelques un des matériaux à l’origine de cette musique.

Blue Wagon brings its passengers along dreamlike metaphor ways. Memories, reality and imagination interleave aboard. Intercom and subway noises, guitar notes, bribes of a physics lesson and rythm of an escalator are the main elements at the origin of this music.

Antoine Bouchard est originaire de Rivière-du-Loup, dans le bas de fleuve. Il a étudié la guitare et le chant à Montréal (Cégep St-Laurent et Université du Québec à Montréal), puis la création littéraire à Québec (Université Laval). Après un début de carrière comme auteur compositeur interprète, Antoine s’intéresse de plus en plus à la musique acousmatique et à la conception sonore. Il termine en ce moment une mineure en Musiques Numériques à l’Université de Montréal.

Antoine Bouchard was born in Rivière-du-Loup. He studied guitar and singing in Montréal at Cégep St-Laurent and Université du Québec à Montréal, then creative writing in Québec at Université Laval. After starting a career as a folk singer/song writer, Antoine’s interest for acousmatic music and sound conception rises. He is now finishing a minor degree in Digital Musics at Université de Montréal.

Jason BOYKO — Dreams in Cryogenic Sleep (7:32 / 2011)

‘Dreams in Cryogenic Sleep’ consists primarily of sampled speech which has been filtered then processed using a live granular synthesis system. The end result is a somewhat claustrophobic piece consisting of deep textures and drones with layers of clicks and hiss occasionally breaking through.

Jason Boyko is a Canadian producer of electronic music who releases music both under the names Sleep in Cryostasis, and “You are not all Boring”. He also runs a small DIY cassette label called Boring Tapes, where he releases music by himself and some folks he knows. Earlier in 2011, he provided background and title music for a PC game which may or may not see the light of day in the months to come.

Carmen BRADEN — Reputation (7:46 / 2011)

“Reputation” is a soundscape-based work that uses recordings collected in Buddhist temples in Thailand and Cambodia. It explores the belief that ringing certain bells in the temples will spread the ringer’s reputation with the sound. The soundscape develops into a deeper exploration of bells and voices, and a thunderstorm sweeps through the piece bringing its own resonating vibrations.

Carmen Braden is a graduate from the composition program at Acadia University and has studied under Dr. Derek Charke and Dr. Steve Naylor. Originally from Yellowknife NWT, she currently is working as a pianist, acoustic ecologist, sound designer and landscaper in Nova Scotia.

Kathleen BROWN — Incident: Night (4:27 / 2011)

This composition involves poetic text, which has undergone erasure. I performed the text inside a Steinway piano in the Lusgar recording studio at the Banff Centre. I worked with Gordon Neil Allen, who mic’ed the piano to catch the resonance of my voice as it bounced off the strings. When we mixed the sound, Gordon amplified that resonance to give the whole piece a beautifully eerie, deep-water texture.

Original Text (poem) in the composition was written by me.

Kathleen Brown is the recipient of the 2009 Lina Chartrand Award by CV2 for her poem “Nunavut”, and in February 2011 participated in the inaugural Literary In(ter)ventions workshop at the Banff Centre for the Arts. She is the Editor of Dandelion magazine. Her sound work has been presented in the Avant Garden Reading Series in Toronto, and at the Edmonton Poetry Festival. Kathleen is currently on parole in the Creative Writing PhD program at the University of Calgary.

Cédric CAMIER — Groover (4:18 / 2009)

Contexte de l’oeuvre présentée: La thématique est celle du « groove », notion héritée de la funk, du blues et inspirée en tout cas de la musique afro-américaine. Ces axes de réflexion se sont nourris de la lecture de « Free-Jazz, Black power ». Dès les premiers temps de l’écoute, un rappel lancinant de rythmes un peu sur-mixés vient d’emblée souligner le préjugé construit de la musique noire et de leur rythme dans la peau [Corps et Couleur, P. Blanchard]. Le choix de sons percussifs kitch, issus de la fusion et de la musique électronique, met en avant un bazar rythmique, tel qu’on peut le trouver lorsqu’il est fait en groupe, sans tempo figé, comme échauffement et en amorce à une transe, mais sans la charge émotive contenue dans la l’association de la cacorythmie avec la chaleur des instruments joués à la main et en direct. Dans la première partie de la structure, l’instauration d’un rythme et d’un motif très simple avec une basse synthétique met en scène le fondement tribal du groove mais sans y plonger, la froideur des sons utilisés nous en privant. Une tension se crée en crescendo avant de se résoudre sur l’unique phrase solo qui perdure jusqu’à la fin du morceau. Tout comme la structure elle-même, les phrases rythmiques sont construites sur l’idée de souligner les temps forts. Leur jeu approximatif est synonyme de déstabilisation et est opposé à la stabilité du seul l’attribut « groove » non détourné de la pièce, le solo. Cette mise en scène d’attributs gravitant autour d’une notion vise à questionner les critères d’appréciation de cette forme musicale vis à vis de leur connotations émotives, et plus largement culturels.

Les travaux et les recherches de Cédric Camier sont à l’image du double cursus qu’il a poursuivi jusqu’à aujourd’hui : musicien et compositeur d’une part et chercheur acoustique de l’autre. Après une thèse de Doctorat à Paris (ENSTA et École Polytechnique) sur les vibrations non-linéaires de cymbales dont il a pu étudier l’effet des imperfections ainsi que leur comportement chaotique, il concentre aujourd’hui ses recherches académiques sur la spatialisation de champs acoustiques et plus spécifiquement la localisation de sources et la restitution d’environnements sonores dans le cadre d’un Post-Doctorat à l’Université de Sherbrooke. Diplômé, notamment du Conservatoire National de Région de Poitiers (Fr.), en Piano, Percussions et Batterie, et justifiant d’une solide expérience de scène au sein de plusieurs formations de Jazz, de musiques actuelles et de live-electronic en Europe (France, Belgique, Allemagne, Malte…) et au Québec, il consacre maintenant sa production artistique à l’exploration des formes électronique et électroacoustique de la musique et des arts sonores ainsi qu’au développement d’outils technologiques affiliés.

Guillaume CAMPION — Neige cendre (11:24 / 2011)

À l’exception de quelques sons recueillis en forêt et d’échantillons de notes de piano, tout le matériau constituant Neige cendre provient d’un orchestre de vaisseaux de cristal de quartz. Ces vases, généralement utilisés pour la méditation ou la musicothérapie, produisent un son très rapproché de l’onde sinusoïdale. À l’écoute attentive, on remarque cependant nombre de sons parasites issus de leur mise en résonance — frottements, faibles sifflements, sans lesquels ces sons présentent en fait peu d’intérêt acousmatique. Neige cendre se veut une sorte de parcours narratif mettant tour à tour en évidence ces imperfections et leur contrepartie « pure », vers leur fusion poétique finale. Je tiens à remercier Philippe-Guy Robichaud pour l’utilisation de son orchestre de vaisseaux.

With the exception of a few forest sounds and piano samples, all sonic material heard in Neige cendre comes from quartz crystal vessels. These instruments, commonly used for meditation or music therapy, produce a sound which is very close to sine waves. However, when listening closely, one notices a number of parasite sounds produced when the instrument is played — frictions, faint whistling and other imperfections without which the vessel's sound would be of little acousmatic interest. Neige cendre is thus a sort of narrative between the two sides of a single reality, the “pure” and “impure” sides of it, all tending towards their ultimate poetic fusion. I wish to thank Philippe-Guy Robichaud for the use of his crystal vessels.

C’est entre mer et montagnes, dans sa Gaspésie natale, que Guillaume Campion s’initie à la musique et à la composition. Il obtient en 2007 un diplôme d’études collégiales en Musique, Langues et Traduction au Campus Notre-Dame-de-Foy de Québec, se distinguant à divers concours de musique classique. Après un passage dans le monde de l’enseignement musical, il s’investit depuis 2009 dans la composition électroacoustique à l’Université de Montréal. Récipiendaire du 4e prix au concours JTTP 2010 et boursier du Conseil des Arts du Canada, sa musique a été diffusée sur les ondes radiophoniques ainsi qu’en concert à l’échelle nationale et internationale.

It is between the ocean and mountains of his native Gaspésie that Guillaume Campion first began to perform and compose. He later continued his studies in classical guitar performance at Campus Notre-Dame-de-Foy (Québec). Feeling the need to explore his own creative energies, he undertook a Bachelor’s in electroacoustic composition at the Université de Montréal in September 2009. Recipient of the 4th prize at the CEC's JTTP 2010 awards, his piece Quadriforis was also selected for concert play at ICMC 2011. Campion was also recently commissioned by Le Collectif Éole (Toulouse, France), to compose a work that will be premiered during the 14th edition of Toulouse’s Novelum Festival in November 2011.

Dan Joseph COHEN — Ghosts (2:55 / 2011)

Dan Joseph Cohen’s work incorporates the sensibilities of pop music interpolated with elements of jazz, noise, and electronics to create pieces both engaging and contemplative.

Studying at the Ontario College of Art and Design, Dan Joseph Cohen’s work incorporates the sensibilities of pop music interpolated with elements of jazz, noise, and electronics to create pieces both engaging and contemplative.

Maxime CORBEIL-PERRON — Fragments (9:52 / 2011)

Inspirée par les traits et les couleurs de Komposition no. 8 de Wassily Kandinsky, cette œuvre se veut une vision fragmentée du temps et de l’espace. Nous retrouvons aussi dans l’écriture de cette pièce une volonté de transparence entre les natures respectives de ses matériaux sonores, puisant autant de l’univers synthétique qu’acoustique. Merci à Alice Lane-Lépine.

Fragments was inspired by the lines and colours of Wassily Kandinsky’s Komposition no. 8, with the intention to create a fragmented vision of time and space. In composing this piece, I also tried to achieve transparency between the respective nature of its sound materials, using as much from the synthetic as the acoustic universe. Thanks to Alice Lane-Lépine.

Maxime Corbeil-Perron complète son baccalauréat en composition électroacoustique au Conservatoire de musique de Montréal sous la supervision de Louis Dufort et de Martin Bédard. Le compositeur divise présentement son temps entre la scène musicale contemporaine, l’apprentissage de la vidéomusique ainsi que la scène underground montréalaise.

Maxime Corbeil-Perron is currently completing his Bachelor’s in Electroacoustic Composition at the Conservatoire de musique de Montréal under the supervision of Louis Dufort and Martin Bédard. He divides his time these days between the New Music scene, his exploration of videomusic and the Montréal underground scene.

Guillaume CÔTÉ — Gaza (6:02 / 2011)

Pièce inspiré des reportages du journaliste Joe Sacco sur la Bande de Gaza entre 2002 et 2008, retraçant la vie des palestiniens confinés dans ce no man’s land. Sans toutefois prendre partie, Sacco trace un portrait humain de ce peuple subissant une menace constante. Dans le même ordre d’idée, Gaza, loin d’être une pièce à saveur politique comme son nom pourrait laisser entendre, tente de trouver correspondance musicale avec ce sentiment d’envahissement et de stress constant vécu par les voisins du corridor de Philadelphie, bande de terre étroite à la frontière de l’Égypte, là ou les affrontements sont le plus intenses. Cette pièce joue constamment sur deux plans. Le premier signifiant l’attaque, le bombardement : la surprise. Le second le calme après la tempête : la constatation des dégâts, l’impuissance face à ce ravage perdurant jour après jour sur une parcelle de terre qui ne connaîtra jamais la paix. Mon désir premier étant de trouver un lien entre mon matériel et mon propos. J’ai demandé à deux improvisateurs de jouer dans l’esprit Free Jazz, exprimant ainsi un vouloir de libération et d’égalité par leurs instruments. J’aimerais donc remercier Mathieu Frénette (saxophone alto et sopranino) ainsi que Philippe Roy (contrebasse) pour leurs matériaux sonores.

Piece inspired by the reports of the journalist Joe Sacco on the Gaza Strip between 2002 and 2008, that traces Palestinian’s life confined in this no man’s land. Without prejudice, Sacco portray those people living under a constant menace. In the same idea, Gaza, without being a political piece like the name would maybe suggest, try to find a musical correspondence with this constant encroachment and stress lived by the neighbours of the Philadelphia’s Corridor, little strip of earth at the border of Egypt, where the battle is the most intense. This piece rely on two level. The first one meaning the attack, the bombing : the surprise. The second the calm after the tempest : the ascertainment of damage, the helplessness in front of this havoc that persist day after day on a land that will never find peace. My first will was to find a close link between the origin of my materials and my subject. I asked two musicians to improvise in the Free Jazz spirit, expressing the anger, the will to be free through their instruments. Therefore, I would like to thanks Mathieu Frenette (alto and sopranino saxophone) and Philippe Roy (contrabass) for their sound materials.

Guillaume Côté est un artiste sonore privilégiant un discours musical basé sur les contrastes, laissant pleine liberté à l’intéressante dualité que propose sons bruités et instruments acoustiques. Sa démarche artistique repose essentiellement sur la recherche du beau dans l’imperfection des choses. Il étudie et enseigne présentement à l’Université de Montréal en composition électroacoustique. Son travail a été sélectionné dans plusieurs festivals à travers le monde tels que Electronic Music Midwest (Chicago, USA, 2010), Musica Viva (Lisbon, Portugal, 2010), Festival Longueur d’onde (Brest, France, 2010), Noisefloor Festival (Staffordshire, UK, 2011) ainsi que SEAMUS (Miami, USA, 2011).

Guillaume Côté is a young sound artist with a marked preference for a musical discourse based on contrasts, leaving full liberty to noisy sounds and acoustic instruments. His artistic process essentially rests in the search for beauty in things’ imperfections. He is presently a student and teaching assistant in electroacoustic composition at Université de Montréal. His works have been broadcast worldwide, including Musica Viva Festival (2010, Portugal), Electronic Music Midwest Festival (2010, Chicago), Festival Longueur d’ondes (2010, Brest, France), Noisefloor Festival (2011, Stafford, UK) and SEAMUS (2011, Miami, USA).

Natalie CRINGLE — Kinetic Static (8:08 / 2011)

Even in stillness there is motion. This piece reflects all the static waves that are being emitted, whether we can hear them or not. Our perception does not always allow us to experience the full scope of activity and energies in our environment, but we know that in the background there is always a wealth of the tiniest happenings astir. Just as the earth rotates without our acute awareness of this motion, we come into day and night, and we know that indeed, though things may appear static to us, they are slowly moving. This piece is a collection of sounds that are sometimes inaudible but, if recorded, can be picked up and brought into our realm of awareness. Through stillness there is motion Through radio waves transmitting Translucent iridescent sound waves omitting such frequencies sometimes unheard Shades of grey emanating, undulating in the early dawn Static is kinetic propelled in slow motion veering through the dial Off the dial, it’s still playing Whether it’s heard or not In between telephone polls and electric lines Static is dripping off the land.

Composer Natalie Cringle was born in 1985 in Vancouver. Music became her primary passion over the years, learning guitar, singing and piano. Recently she graduated from Langara College’s Electronic Music Production Program and has started producing a variety of works of her own both acoustic and electronic. She has also scored short films for independent filmmakers in Vancouver. Through her schooling she developed a particular interest in the electroacoustic music scene, finding appeal in the expressions of imagery or ideas through the medium of sound. Drawing out emotion through sound design or recordings, and morphing these sounds into stories that are heard and told, has become a creative channel and an alluring world of escape for her. This progressive genre is inspiring for it’s evolving and inimitable style, leaving interpretations wide open for the listener. With dedication and perseverance, Natalie continues to produce works of all styles, contributing to her growing musical career.

Sarah DAVACHI — Ancient Biographies (5:39 / 2010)

The sound material for ‘Ancient Biographies’ consists of granular voices, one FM voice, a low-pass filter and a fixed filter bank. The character of the piece is very much affected by the processing involved; given the appearance of granular synthesis in the latter half of the piece, a sort of unsettled yet persistent feeling is created. However, this feeling is first established at the opening of the piece by way of a sample of running water being fed through a low-pass filter, resulting in a sort of gritty rhythm. The smooth and fluctuating character of the filter-bank and FM voices are introduced to balance the sound from the low-pass filter as it transitions into the granular processing.

Sarah Davachi earned a bachelor’s degree in philosophy (with distinction) from the University of Calgary and is currently working towards obtaining a master’s degree in electronic music from Mills College in Oakland, California. Her academic interests include: post-tonal theory, particularly of post-war avant-garde and experimental music; analog electronic and generative music composition; and, twentieth-century continental philosophy, particularly æsthetics, phenomenology and history of philosophy. For the past four years, Sarah has also had the unique opportunity to work at Cantos Music Foundation in Calgary as an interpreter of their collection of acoustic and electronic keyboard instruments.

Karl FENSKE — 11/32/19 (14:57 / 2010)

A purely analog synthesis piece, recorded live in the studio, fall of 2010, with German Doepfer modules and a test tone generator.

Karl Fenske is a conceptual sound artist living and working in Montréal and Toronto. He often reduces sound to its barest elements, and uses information at the limits of perception, creating pieces that are potentially infinite.

Sophie GENEST — Welcome into my dysfunctional brain (2:44 / 2010)

Student in ea at Concordia University. DEC in classical music at Vanier College. Classical guitar as principal instrument.

Philip GOODALL — Étude aux Fluxions (12:00 / 2011)

L’œuvre, « Étude aux fluxions », était développée comme exercice dans l’intégration et la manipulation des sonorités des instruments de percussion en bois et en métal (marimba, vibraphone, cloches) avec les cordes soutenues des tonalités électroniques. Des progressions harmoniques des hauteurs fixes construits qui transposent graduellement, des événements de rythmes répétitifs et de motifs oscillant, et des apparitions de la mouvement des larges mélodiques dans le bas de la gamme constituent les componants de la langue sous-jacente de l’oeuvre.

The piece, “Étude aux fluxions”, developed as an exercise in the simple melding and manipulation of sonorities of wood and metal percussion instruments (marimba, vibraphone, bells) with sustained chords of electronic tones. Harmonic progressions of gradually transposing pitch constructs, events of repeating rhythms and oscillating motifs, and the appearances of broad melodic movement in the lower spectrum make up the componants of the underlying language of the piece.

Philip Goodall vit, travaille et compose dans la région de Montréal. Après quelques années loin de la composition, il a commencé à travailler avec le logiciel d’aide au développement de musique en 2010.

Philip Goodall lives, works and composes in the Montréal area. After a number of years away from composition, he began working with computer-aided music software in 2010.

Christopher GORMAN — Siilatujuk (23:20 / 2011)

“There is a state of mind called Siilatujuk. I find this hard to describe because it happens to me. It is that state of mind that allows me to see a different world which is my very own place. Here, I am not subject to unnatural forces. Here, I can create things that are beautiful and that give me great pleasure. It is a very strange place because you know that it can never be, yet when you leave it and come back to the world we know, you discover that you have created a beautiful thing that you have brought back with you. I am a carver, so I bring forth carvings—but there are songs, stories, and magical things that have been brought back by others from their own worlds.” -Inuksuit: Silent Messengers of the Arctic

Began working with sound 10 years ago. This piece marks my first official release.

Jullian HOFF — Scratch (12:06 / 2011)

Scratch est un voyage le long d’un « pick slide » de 45 secondes, un « pick slide » abrasif, la course folle d’un batteur sur ses fûts.

Scratch is a trip along a 45-second “pick slide”, an abrasive “pick slide”, the wild ride of a drummer on the crest of a drumfill…

Compositeur autodidacte de musique populaire et instrumentale, multi-instrumentiste, auteur de poèmes et chansons, j’ai entrepris de m’installer à Montréal pour y étudier les différentes pensées électroacoustique. J’expérimente l’art total qu’est la musique acousmatique. J’étudie présentement la composition électroacoustique à l’Université de Montréal auprès de Martin Bédard.

Self-taught composer of pop and instrumental music, multi-instrumentalist, author of poems and songs, Jullian Hoff settled in Montréal in order to study the different strands of electroacoustics. Presently he is exploring the “Total Art” of acoustmatics, studying electroacoustic composition at the Université de Montréal under the guidance of Martin Bédard.

Teresa HRON — AhojAhoj (12:31 / 2011)

AhojAhoj is the first of a set of pieces based on my family archive: letters, photographs, tapes and movies that go back several generations. I am grateful for and fascinated by the traces that these people left for me to discover, and what I learn about them and myself in the process. In AhojAhoj, I try to merge the sound of the piano with that of a cassette deck as well as voices taken from cassettes exchanged between my parents and their relatives in Czechoslovakia during the communist regime. In sending each other these audio letters, they wanted to come as close as they could to one another, and in so doing, are still alive in an incredible way for me today. AhojAhoj was written for Luciane Cardassi. Her playing and facility with playing with fixed media greatly influenced the score and its challenges. I am grateful to her for all her suggestions and improvements. The piece exists both in stereo and 8-channel versions.

Terri migre confortablement entre la performance et la composition, souvent oscillant quelque part entre les deux dans des situations qui peuvent être improvisées, écrites, instrumentales ou électroniques. Comme interprète, elle commande et présente des pièces pour flûte à bec et électronique live dans le cadre de son projet « Bird on a Wire », dont le deuxième épisode, sans-fil et spatialisé, s’envole cet été. Comme compositrice, elle travaille une série de pièces reliées à des archives phonographiques de sa famille tchèque. Avec le Centre Norvégien de la Technologie dans la Musique et les Arts (NOTAM), elle fabrique un contrôleur destiné à diriger les différents aspects de l’électronique avec ses pieds.

Recorder player and composer Terri Hron comfortably migrates from performance to composition, exploring acoustic and electronic sounds in both written and improvised situations. As a performer, her particular way of playing her instruments and working with technology inspires others to write for her: Bird on a Wire is Terri’s ongoing project to commission, perform and record new pieces for recorder and live electronics. Terri performs in many improvisational groups, including the multi-disciplinary SpaceMelt with clarinetist Sam Davidson and visual artist Michael Markowsky. She has recently written pieces for the Pacific Baroque Orchestra, Trio Scordatura and pianist Luciane Cardassi. Her current composition project is a series of works for live instrument and electronics based on her family archive. Terri’s interest in working with live electronics in multi-channel situations has led her to a research collaboration with NOTAM. Together they are working on a controller to direct all kinds of aspects of performance, from real-time processing to spatialization. Terri is the recipient of numerous awards, prizes and residencies. She graduated from the Amsterdam Conservatory in 2004 and is currently a doctoral student in composition at the Université de Montréal with Philippe Leroux.

Markus LAKE — Paper Planes (9:43 / 2011)

This piece is an exploration of text as an abstraction. All sounds were created using objects that create text, or are used for it’s transmission: Paper, typewriter, pencil, envelopes, pens etc... The hope was to listen to how we communicate rather than what we communicate.

Markus Lake is hungry all the time. Literally and metaphorically. He’s a student and an artist. That’s a double-whammy of hunger.

Jean-Michel LAVARENNE — Chant de la sourde fontaine (3:46 / 2011)

Le chant de la sourde fontaine met en contraste des sons synthétiques désorganisés et des sons concrets plus organisés, le tout relié par des transitions brutales.

La pièce débute par une partie informe durant laquelle des sons juxtaposés créent un rythme confus. La partie centrale fait chanter la fontaine. La dernière partie s’organise autour du son de la fontaine duquel un rythme est déduit.

Le chant de la sourde fontaine (Song of the quiet fountain) contrasts disorganised synthetic sounds against better organised concrete sounds and links them together through brutal transitions.

The piece starts with a formless sequence during which coexisting sounds create a confused rhythm. The second part lets the fountain sing. The last part is organised around a rhythm deduced from the sounds of the fountain.

Jean-Michel (Montréal, 1972) studies digital music at University of Montréal.

Jean-Michel (Montréal, 1972) studies digital music at University of Montréal.

Joel LAVOIE — Didascaliaque (2011) (8:08 / 2010)

Pièce acousmatique portant sur la croissance d’une rage contrôlée perçue du point de vue intérieur. Fait a partir de matériaux sonores provenant de prises de sons d’ambiances et de rayonnements électromagnétiques. L’intention derrière l’esthétique de la pièce est de confondre la dualité des matériaux (acoustique/électronique) en une même masse “organique”. Composée en 2010 dans les studios de l’Université de Montréal, Québec et masterisé en 2011 dans les studios du MTI (Université DeMonfort), Royaume-Uni. Cette pièce se divise en 4 court mouvements: Surpris,..,, De l’échine à l’abandon,,..,, Agrandissements en direct de la rage qui nous pousse,,..,,,.,.,,. C’est noir de mondes.

Composed in the studios of Université de Montréal in 2010 and mastered at DeMonfort University (MTI) in 2011. It’s an acousmatic piece about the growing anger of a person from the inner point of view. Made only with field recordings and electromagnetic signal recordings, the intention was to give an organic life to electronic sounds through the intuitive gestures of nature and human error. There’s 4 short movements : Surpris,..,, De l’échine à l’abandon,,..,, Agrandissements en direct de la rage qui nous pousse,,..,,,.,.,,. C’est noir de mondes.

Natif de Montréal (1987), Joel Lavoie a grandit en banlieue où il s’est découvert une passion pour la musique et la technologie. À la suite d’une année et demie passée en études en génie électrique, il décide d’aller au Cégep de Drummondville étudier en sonorisation et enregistrement. Après trois ans de travail comme sonorisateur dans divers salles de spectacles de Montréal, il retourne aux études à l’Université de Montréal où il suit un baccalauréat en composition électroacoustique. Il se trouve présentement à l’université De Montfort où il poursuit sa formation avec Simon Emmerson. Il a composé plusieurs musiques pour des projets variés : cours-métrage, danse contemporaine, théâtre pour enfant et plus récemment avec la poésie. Il préconise l’utilisation de matériaux « naturel » soit sans aucune synthèse qu’elle soient de nature acoustique ou électrique.

Joel Lavoie (Montréal, 1987) has been working as a sound engineer in different halls and theatre in Québec since 2006. He went back to university in 2008 to study electroacoustic music composition. He was the student of Jean Piché, Martin Bédard, Louis Dufort, George Forget and he is currently in Leicester, UK to study with Simon Emmerson. His works are mostly acousmatic and live electronic / circuit bending. Very rarely you can hear computer synthesized sounds in his music; he prefer to play with the organicity of real sounds and integrates them in analog electronic sounds / glitches. His music can be hear in various projects like short films, modern dance, theatre and more recently with poetry.

Sébastien LAVOIE — Obscura (9:06 / 2011)

Faisant contrepartie à mon dernier projet de composition, qui nous guidait vers la lumière («Et La Lumière Fut!»), j’ai décidé d’explorer maintenant le coté obscure du sonore, de m’éloigner de la clarté et d’aller vers les profondeurs musicales (images-sonores). L’objectif est de transposer cette volonté et réalité vers un projet sonore et de le «Spatialiser» à même le processus compositionnel.

This piece makes counterpart to my last composition, which was guiding us towards the light (“And Then There Was Light”), I decided to explore the dark side of sound, to escape the brightness in order to move towards more gloomy sounds (dark sound images). The objective is to transpose this desire and reality into a musical project and to Spatialize it during my compositional process.

Sébastien est présentement à la maîtrise, en composition électroacoustique, travaillant sur la Spatialisation sonore avec son professeur Robert Normandeau. Sébastien se considère comme faisant partie de cette nouvelle génération d’étudiants en musique qui utilisent le « Laptop » comme instrument musical. Et cet outil de composition lui permet de se développer autant sur scène que dans un studio. Ce qui lui plaît, entre autres, dans la musique électroacoustique, c’est la possibilité, grâce à la technologie, de faire des alliages entre plusieurs sonorités et styles musicaux. Ayant maintenant complété son baccalauréat, il mène présentement des études au sujet de la Spatialisation sonore dans la musique, autant dans le processus compositionnel que diffusionnel. Explorateur sonore, il parcourt les différentes avenues bruyantes et musicales afin de saisir et de composer les chemins menant vers des sons nouveaux.

Sebastian is doing his Master’s degree in electroacoustic composition, working on sound spatialization with his professor Robert Normandeau. He regards himself as belonging to this new generation of students in music who use the Laptop as a musical instrument. And this tool for composition enables him to develop as much on a stage than in a studio. What he likes in electroacoustic music is the possibility, thanks to technologies, to make alloys between several musical sonorities and styles. After completing his bachelor degree, he is currently doing researches about the spatialization of sound in music, either in the composing as well as in the diffusing practice. Sound explorator, Sebastian travels through the diverse avenues of noise and music in order to capture and compose the novel sounds.

Frédéric LE BEL — Maniké (5:50 / 2010)

Étude réalisée dans le cadre de l’atelier d’électroacoustique.

Études musicales au CEGEP St-Laurent et au CIM de Paris en interpréatation jazz avec Philippe Keiser et André Ceccarelli et à l’Université de Montréal en technique d’écriture et composition instrumentale avec Denis Gougeon et Philippe Leroux. Il est définitivement un compositeur de musique instrumentale. Aprés avoir participé aux Rencontres de musiques nouvelle du Domaine Forget sous la direction de Lorraine Vaillancourt et Denys Bouliane en août 2010 il entame sa dernière année de baccalauréat. Sous les oreilles bienveillantes de Martin Bédard il explore depuis peu la musique acousmatique et travail à la realisation d’une œuvre mixte.

Marguerite LUU — Game Over (3:14 / 2011)

Suivez le parcours d’un “gamer” lors d’un jeu vidéo d’horreur qui inclut quelques zombies...

Follow a player during a horror-type video game, where it includes few zombies...

Marguerite Luu s’intéresse à l’art sous toutes ses formes, que ce soit la peinture, la danse, le théâtre, etc. Elle se passionne surtout pour la musique depuis qu’elle est toute petite. Son premier instrument, dans laquelle elle mit beaucoup de temps à se pratiquer, est la flûte traversière, lors de ses études secondaires. Elle obtient son DEC en musique, au Cégep de St-Laurent, et s’oriente en électroacoustique pour l’université, où elle commence la composition. À part la musique, Marguerite Luu s’intéresse aussi à la photographie.

Marguerite Luu likes everything related in arts. She’s a musician, playing the flute since mid-high school. She got her college diploma in music and studies in electroacoustic at the university, where she starts to compose.

Christopher MCLEAN — Cherrypicking (6:21 / 2011)

La cueillette de cerises est une activité très minutieuse et opportuniste qui consiste à sélectionner les fruits les plus mûrs et de les empocher. C’est aussi une activité quotidienne.

Christopher Mclean a grandi à Montréal où il a appris le piano, la guitare et la trompette. Suite à une formation plus classique, il se tourne vers le piano jazz et la composition électroacoustique au Cégep de St. Laurent sous la tutelle de Lorraine Desmarais et de Michel Tétrault. Mordu d’improvisation, d’interprétation, de composition instrumentale et électroacoustique, Christopher étend présentement son champ d’intérêt à la sculpture cinétique et musicale. Il termine présentement un Bac en composition mixte à l’Université de Montréal.

Elise MILANI — Recollection of Lost Memories (6:37 / 2011)

Performed mainly on the acoustic guitar, ‘Recollection of Lost Memories’ explores melodies and sounds within 2 harmonic chords.

Elise is currently a multimedia and communications major at McMaster University. She has always been very involved in music and plays a variety of folk instruments, including guitar, double bass, mandolin, ukelele and piano. Recently, she has become interested in creating and exploring electroacoustic music after being introduced to it by her Digital Audio Professor, Dr. David Ogborn. This is her first electroacoustic composition and she looks forward to composing more in the future.

Ali NADER ESFAHANI — Why not? (9:20 / 2009)

Close your eyes and imagine.

Ali Nader Esfahani is an Iranian composer who graduated with his bachelor’s degree in physics and completed his master’s program in composition. He moved to Canada to continue his studies. He is currently a PhD student in composition at University of Calgary. He has written music for soloists, chamber ensembles, orchestras and electroacoustic medium.

James O’CALLAGHAN — Rails (7:55 / 2010)

Rails is an acousmatic-soundscape piece derived from train sounds. It moves between a nostalgic meditation on the many train sounds which make up our immediate soundscape and aestheticized musings on the inherent musical qualities that make up these sounds. As the listener is guided between these points, transformations of image occur - where one sound-image suddenly or gradually becomes another, different image. Often the most striking changes occur in the places where the sounds move from abstracted and gestural manipulations and remerge into their more familiar environments; there is a sense of waking from a dream, or being suddenly roused while lost in thought.

James O’Callaghan is a quickly emerging composer and sound artist from Vancouver, praised for his “real orchestral imagination” and “highly refined sense of colour” (Vancouver Sun). His music, equally concentrated in acoustic and electroacoustic idioms, attempts to preserve a connection with real-world sound identities and social justice. Added to this are diverse interests influenced by spectralism, musique concrète, Soviet cinematic montage, and Brechtian theatre. He is has received several commissions as a composer, sound designer and performer for dance, film and theatre work. His concert music has been performed across Canada, the USA, New Zealand and Japan, and his musical research has been published and presented internationally. He received his bachelors of music composition (honours) from Simon Fraser University in 2010, studying under Barry Truax, Rodney Sharman, David MacIntyre and Arne Eigenfeldt. In the fall he will be beginning his graduate studies at McGill University.

Lucas OICKLE — Electroacoustic Study No. 2, ‘Stream at Cape Split’ (3:55 / 2011)

All sounds were recorded at Cape Split in Nova Scotia and act primarily as a soundscape, with little processing. The two instruments often mimick the inherent character of the flowing water, which pervades the entire work.

As of April 2011, Lucas Oickle has finished his second year of a BMus in composition under Dr. Derek Charke at Acadia University.

Lia PAS — a tender & violent duet (10:01 / 2011)

This piece was composed for Free Flow Dance Theatre’s choreographic interpretation of the following instructional score:

. two performers . they move each other’s bodies . they move each other’s organs . stroking . pressing . touching . tapping . hitting, tapping and pressing so the breath is exhaled . stroking and touching so the breath is inhaled . the sounds are skin on skin . breath inhaled . breath exhaled . the sounds are rhythmic . the sounds are cadenced . the sounds are melodies of air .

All the sounds for this piece are the breath sounds of the dancers and myself, edited in terms of time and composition but not electronically changed in any other way.

Lia Pas is a multidisciplinary creator-performer who has worked in the fields of music, writing, and theatre. Born and based in Saskatoon, Lia studied music at York University, Toronto (BFA 1995) and completed her MA in Devised Theatre at Dartington College of Arts (October 2006) in Devon, UK. Lia is an accomplished musician, composer and improviser. Her compositions have been performed by soloists and ensembles and broadcast on CBC Radio. Her two interdisciplinary shows, The Descent of Inanna (2001) and Baba Yaga’s Hut (2002), played to sold-out audiences in Saskatchewan. She is currently director, composer and soloist of the Mysterium Choir, focusing on innovative and meditative music. Lia has written poetry, fiction, non-fiction, and scripts. In addition to her volumes of poetry, her literary work has been broadcast on CBC Radio and widely published in literary periodicals. Lia’s current project-in-progress, splanchnologies, is an interdisciplinary performance and text piece exploring anatomy as image. She recently completed her videopoem, susurrations, as part of this project.

Émilie PAYEUR — Matière contre vide (4:30 / 2011)

Dans le cadre de cette étude, j’ai voulu explorer la notion d’opposition entre éléments et vide. Inspirée par mon travail en peinture, j’ai cherché à organiser la matière de façon similaire, c’est-à-dire en disposant des fragments de matière autonomes à l’intérieur d’un espace vide.

La compositrice de musique électroacoustique et artiste visuel Émilie Payeur présente des œuvres puisant son inspiration dans l’art abstrait, le courant psychédélique des années 60, le surréalisme ainsi que le cinéma expérimental. L’exploration de la plasticité de la matière sonore est au cœur de sa création. Elle a entamé sa maîtrise en composition électroacoustique en automne 2010 à l’Université de Montréal sous la supervision de Robert Normandeau. Ses recherches visent à adapter son processus de création en peinture abstraite à la composition de musique électroacoustique. En 2009, ses œuvres ont notamment été jouées au WEARL (Fullerton CA), au Festival Futura (Paris) ainsi qu’au Festival Longueur d’Ondes (Brest). En 2010, elles ont été présentées au Texas et au Kentucky ainsi qu’à l’événement de la Nuit de la Création à Montréal. Elle a également remporté un prix dans la catégorie Résidence au concours de Bourges 2009, le 3e prix Hugh Le Caine lors du concours des jeunes compositeurs de la SOCAN 2009 et un prix dans le cadre du University of Louisville Young Composer Competition for New Electro-Acoustic Music 2010. En 2010, elle a terminée 3e au concours JTTP.

Electroacoustic composer and visual artist Émilie Payeur presents musical art forms that are clearly influenced by the psychedelic era of the 60s, surrealism, abstract arts and experimental film. The way she approaches her work, Emilie perceives herself as a sound painter and wants to adapt visual art techniques that she uses when she paints to electroacoustic music. In Fall 2010, she began a Master’s Degree at the University of Montréal, under the guidance of Robert Normandeau. Her works have been played in the Women’s Electroacoustic Listening Room (California, USA, 2009), the Festival Futura (Paris 2009), at the Festival Longueur d’Ondes (Brest, 2009), in Texas (2010) and in Kentucky (2010, 2011). She won third place in the SOCAN Foundation for Young Composers Contest, a residency at the University of North Texas (Denton TX, 2009), a prize obtained during the 36th International Contest of Bourges, 2009 and a prize at The University of Louisville Young Composer Competition for New Electro-acoustic Music (2010). In 2010, she also won third place in the Canadian Electroacoustic Community’s JTTP competition.

Marc-André PERRON — Effervescence / Somnolence (10:24 / 2010)

Première d’une série de trois pièces nées à la lumière d’une réflexion musicale sur l’écologie sonore, Effervescence / Somnolence est une excursion dans un univers à la fois réaliste et surréaliste construite à partir de la prise de son d’objets et de paysages sonores connus, inconnus, ou oubliés.

The first of a set of three pieces born of the composer’s musical reflections on acoustic ecology, Effervescence / Somnolence is an excursion in a realistic and surrealistic universe. The piece is constructed using recordings of sound objects and of recognizable, unknown and forgotten soundscapes.

Étudiant au baccalauréat en composition mixte à l’Université de Montréal, Marc-André Perron est musicien multi-instrumentiste et compositeur s’inscrivant dans la musique contemporaine, en particulier pour les musiques électroacous-tique et acousmatique, de même que pour divers ensembles instrumentaux. Fort de l’expérience de plus d’une centaine de concerts en quinze ans comme interprète et comme chef d’orchestre au sein de divers ensembles (jazz, populaire, quatuor à cordes, orchestre symphonique, etc.), en particulier sur la grande scène du Festival International de Jazz de Montréal, au conservatoire d’Annecy (France), et à la Place des Arts de Montréal, il est également récipiendaire de diverses bourses reliées à ses études en musique et aux concours. S’affairant présentement à l’exploration et au développement d’une esthétique réaliste inspirée de l’écologie sonore, son travail prend l’homme comme témoin auditif en s’inspirant de sa perception de son environnement acoustique, de manière à rendre honneur aux empreintes et aux paysages sonores, d’un point de vue à la fois de l’espace, mais également du temps.

Bachelor’s student in mixed composition at Université de Montréal, Marc-André Perron is a multi-instrumentalist and composer particularly interested in electroacoustic and acousmatic, but also for instrumental formations. Over the course of fifteen years he participated in over a hundred concerts as a performer and as a conductor of a range of ensembles (jazz, popular music, string quartets, orchestra), notably at the Montréal International Jazz Festival, Annecy conservatory (France) and at Place des Arts (Montréal). He has received various awards for his studies and in competitions. Presently he is exploring and developing a realist æsthetic inspired by acoustic ecology, his work seeing the listener as an auditory witness to his acoustic environment, in a manner that honours the soundscape from the point of view of space and of time.

Michaël PLANTE — Son[]lit (4:09 / 2010)

Son[]lit was based on the adventures undertaken by the mind during various phases of dreaming. For example: The constant changes of scenery, the uncertainty of the sleeper's surroundings, the rapidity at which the sleeper can forget what has just happened, etc. These ideas were more of an inspiration rather than a theme or guideline. It was never my intention to have these ideas transmitted to the listener. I tried to build Son[]lit as a narrative of perspectives, meaning that the story/feeling was intended to be guided more by the listener's previous experiences, and not by commonly accepted gestural/timbral archetypes. Son[]lit is a short section from a larger body of work in progress in collaboration with Jesse Moon ( Meat Parade ).

Antic Hous (Michaël Plante) is a former member of the Ottawa-based electronic group Boyscout Killers (BSK) on Place Records. He recently moved to Montréal and is in his second year of study in Electroacoustics at Concordia University.

Éliane PRÉFONTAINE — Électre (7:57 / 2010)

Ayant été la seule femme de mon année inscrite en composition électroacoustique à l’université de Montréal, j’ai eu envie d’explorer la grande thématique de la féminité. Pour moi, Électre représente la naissance... du féminin.

Intéressée depuis son plus jeune âge par les arts, Éliane Préfontaine fit ses débuts comme comédienne. Âgée d’à peine quatorze ans, elle fit ses premiers pas sur les planches dans la pièce Intérieur de Maeterlinck, dirigé par Denis Marleau. Toujours sous la direction de celui-ci, elle incarna ensuite Francesca dans La fin de Casanova présenté à l’Espace Go, puis Desdémone dans Othello dans la salle de l’Usine C. En plus d’avoir cumulé plusieurs expériences au cinéma, Éliane pratique le piano et compose depuis bientôt dix ans. En 2008, elle entra à la faculté de musique de l’université de Montréal en composition mixte où elle sera bachelière ce printemps. Elle eut la chance d’avoir comme professeurs de composition, Martin Bédard, Georges Forget et Denis Gougeon.

Loriane TAKLA — Alphabête (13:44 / 2010)

Il m'est venu l'idée d'illustrer musicalement mes remises en question sur la langue française. En effet, le français écrit est illogique. Alors que l'écriture est née pour immortaliser ce qui est dit, elle a fini par dicter notre parler en se figeant au gré des caprices de puristes engagés. C'est pourquoi il n'y a plus aujourd'hui de lien cohérent entre ce qu'on dit et ce qu'on écrit. Un exemple des plus flagrants est celui du mot « temps ». Mais qu'est-ce que ce «p» et ce «s», sinon des héritages encombrants du latin? Tant de lettres inutiles qu'on s'acharne à faire ingurgiter à des enfants qui tentent alors vainement de développer une vision logique de leur univers. Mais bon, tout ce discours assommant n'a été que le moteur qui a fait démarrer mon carrosse imaginaire, le faisant errer entre la fiction et la réalité, entre le cauchemar et le salut du réveil.

Remerciements: Marina Moureau, pour son interprétation colorée du personnage féminin ainsi que pour sa capacité à produire des ronflements à l'état d'éveil. Yves-Antoine Rivest, pour avoir mis à contribution son expérience d'acteur, laquelle a ajouté beaucoup de singularité au personnage du puriste.

Après avoir obtenu en 2005 un baccalauréat avec mention d’excellence en communication, rédaction et multimédia de l’Université de Sherbrooke, Loriane Takla entame en 2007 des études en composition électroacoustique au cégep de Saint-Laurent. Ces deux années préparatoires au niveau collégial lui permettront en 2009 de s’inscrire au Conservatoire de musique de Montréal, toujours en composition électroacoustique. Elle étudie pendant sa première année avec Yves Daoust, puis complète actuellement sa seconde année sous la supervision de Martin Bédard.

Stefanie WALSH — Listening (9:47 / 2011)

Listening is a composition made up of 3 works from the senior thesis project Listen of Life; a sound art project. The composition is based on various everyday activities. The sounds sources were recorded using a portable recorder and transformed to evoke the feelings of the different parts of life.

Stefanie Walsh has just completed her Honours Bachelor of Arts in Multimedia at McMaster University.

Project Team / Équipe de projet

Project Managers — jef chippewa & Yves Gigon
Web Site — Yves Gigon
Translation — jef chippewa
Project Consultation — PeP (Productions electro Productions)

Support

Jeu de temps / Times Play (JTTP) est rendu possible grâce à une association stimulant la recherche et la créativité canadienne en électroacoustique établie avec l’université Concordia en 1986. La CEC reconnaît également le support du Conseil des Arts du Canada. Merci aussi à la Fondation SOCAN et aux membres de la CEC, qui ont aimablement fourni de l’aide financière au projet, et à PeP pour son aide constante à la production.

Jeu de temps / Times Play (JTTP) is made possible thanks to a partnership fostering research and creativity in Canadian electroacoustics established with Concordia University in 1986. The CEC also gratefully acknowledges the support of the Canada Council for the Arts. Thanks are also due to SOCAN Foundation and CEC Members, who have graciously provided further financial support to the project, and to the PeP team for continued production assistance.