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FRANÇAIS

[Jeu de temps / Times Play 2016]

Participants and Submissions

Winners / Gagnants | Submissions / Soumissions | Events / Événements | Awards / Prix | Jury

The five Winning Works and Composers, as selected by an international jury, are featured on a dedicated page. Visit the Awards, Project Partners and Support page to get an overview of the ample prize packages offered to these winners thanks to the contributions of JTTP Project Partners. The winners’ works are also featured in a number of Events, Concerts and Radio Broadcasts during the year, thanks to the dedication of our many Media Partners in Canada and around the world.

However, an equally important component of the project is that all submissions to each edition of the annual Jeu de temps / Times Play project are presented online; through this initiative the CEC offers continued support to a large number of young and emerging composers and sound artists. A total of 38 recent works by 39 composers / sound artists to JTTP 2016. You can read the programme notes and composer biographies below and can also click on the work titles to listen to the pieces.

Submissions

Matthew ARIARATNAM, Kıvanç TATAR — Oblique Strategies (17:00 / 2016)

Inspired by Brian Eno's Oblique Strategies, generative constraints guide the free improvisation. Organic Strategies create noisy wonder generated by whatever Eno strategy appears on a screen. The strategies change at different intervals directing the music in unexpected ways. Performers are challenged by 463 constraints that may appear.

Organic Strategies is a collaboration between Matthew Ariaratnam (prepared guitar) and Kıvanç Tatar (trumpet and electronics). Creating work that ranges from ambient to noise, the performers experiment with sonic interactions through free improvisation. Playing together almost for a year, Organic Strategies focuses on the idea of constrained improvisation with generative constraints.

Organic Strategies is a collaboration between Matthew Ariaratnam (prepared guitar) and Kıvanç Tatar (trumpet and electronics). Creating work that ranges from ambient to noise, the performers experiment with sonic interactions through free improvisation. Playing together almost for a year, Organic Strategies focuses on the idea of constrained improvisation with generative constraints.

Alyssas ASKA — City of Marbles (9:12 / 2014)

There are three primary sound sources for this piece: cicadas recorded at the Palatine Hill in Rome, marbles being dropped onto various surfaces, and the phrase “I found Rome a city of bricks and left it a city of marble” spoken in Latin. City of Marbles explores the progression from idea genesis, through construction, to eventual destruction. While these three ideas are very separate and distinct, the musical material of the piece seeks to create an trajectory for the listener in which the transition from one to the other is seamless. This experience of musical time parallels the historical amnesia that is so easy to possess when considering the creation and eventual destruction of our own civilizations.

Alyssa is a diverse composer who writes both acoustic and electroacoustic works, although she primarily focuses on works that combine live instruments with real­time electronic processing. Alyssa has also participated in music technology education research projects and sensor­based instrument design. Her music has been performed at concerts, festivals and symposiums in North America and Europe. She is also an active composer for media, having provided the soundtrack for both Canadian and European films. Alyssa is currently pursuing a PhD in Composition at the University of Calgary under the supervision of David Eagle.

Samuel BÉLAND — Biodôme (8:49 / 2016)

R. Murray Schafer décrivait la «schizophonie» comme une condition de dissonance cognitive créée par les conditions d’écoute électroacoustiques. Au contraire du monde naturel, où chaque son est le résultat d’une entité physique présente dans un espace définit, l’amplification permet des représentations aberrantes où la source est totalement absente, et où l’échelle, l’espace et la provenance créent des contextes qui ne ressemblent en rien à la réalité. Un biodôme est un musée d’écosystèmes. Une sorte d’extérieur pur, exotique et grandiose. Les arbres y sont faux, la forêt y est peinte, la lumière n’est pas celle du soleil et les animaux vivent dans l’imitation d’un habitat naturel. Les humains viennent y admirer le fantasme d’un monde sans humains. Biodôme est la représentation d’un espace déjà schizophonique.

R. Murray Schafer has described “schizophonia” as a cognitive dissonance condition created by the situation of electroacoustic listening. Contrary to the natural world, where each sound is the result of a physical entity presented in a defined space, amplification offers the possibility of representations whose source is entirely absent and for which the scale, space and origin create contexts that do not at all resemble “reality”. A biodome is a museum of ecosystems, a sort of “pure” exterior, exotic and grandiose, in which the trees are fake, the forest painted, the light unconnected to the sun and animals live within an imitation of a natural habitat. Humans come to admire the fantasy of a world without humans. Biodôme is the representation of a space that is already schizophonic.

Samuel Béland fréquente actuellement le Conservatoire de musique de Montréal où il y étudie la composition électroacoustique sous la supervision de Martin Bédard. En plus de la musique acousmatique, il s’intéresse tout particulièrement au médium de la vidéomusique, à la composition algorithmique ainsi qu’à la sociologie de l’art.

Samuel Béland is currently studying electroacoustic composition with Martin Bédard at the Conservatoire de musique de Montréal. In addition to electroacoustic music, he is particularly interested in the videomusic medium and algorithmic composition, as well as the sociology of art.

internal video play
Myriam Boucher — Nuées (10:02 / 2016)

Myriam BOUCHERNuées (video — 10:02 / 2016)

Cette vidéomusique a d’abord pris naissance dans l’idée du battement d’ailes. Les enregistrements ont été réalisés avec la saxophoniste baryton Ida Toninato dans un immense espace désert et réverbérant, la nuit. Les oiseaux ont été captés en plein vol.

Nuées is a videomusic work that arose from the idea of flapping wings. The recordings were made with the baritone saxophonist Ida Toninato in an immense desertic and reverberant space at night. The birds were recorded mid-flight.

Myriam Boucher est une compositrice et artiste vidéo basée à Montréal. Tout d’abord claviériste pour différents projets de musique post-rock et électronique, elle étend ses expérimentations dans la recherche sonore et visuelle en travaillant sur le dialogue entre la musique et l’image. Sa création est orientée vers des œuvres de vidéomusique, de musique électroacoustique, mixte et instrumentale, et de performances audiovisuelles.

Myriam Boucher is a Montréal-based composer and video artist. She has been part of different artistic projects in the North American music scene, from her early experiences as keyboardist for various instrumental music bands through to her visual work, she works on the intimate dialogue between music and image. Myriam creates videomusic, electroacoustic, mixed and instrumental music, as well as audiovisual performances.

Gian Tenio CARLONE — L’homme qui n’a jamais pleuré (10:06 / 2015)

Opera électronique qui raconte l’histoire d’une personne qui ne peut exprimer sa tristesse.

Electronic opera about a man who cannot cry and incapable of letting out his inner demons.

Gian Tenio Carlone est un étudiant de l’Université de Montréal, dans le programme de musiques numérique. Pendant de nombreuses années, il a joué pour des groupes de rock. Il a fait des études au CEGEP en interprétation jazz et compose, produit et mix pour d’autres artistes.

Gian Tenio Carlone is a student of l’Université de Montréal, currently doing his bachelor degree in electroacoustic composition. His musical background includes many years of playing with rock bands as a bass player, college studies in jazz interpretation and composing, producing and mixing for other artists.

Vincent FILLION — omnicité(léth@rgie) (5:40 / 2016)

«omnicité(léth@rgie)» est une réflexion sur l’omniprésence de la publicité et la façon dont elle nous manipule et influence nos vies. Elle raconte métaphoriquement le quotidien maussade d’un employé d’une usine d’impression s’évadant dans ses rêveries. Entouré par des mots, il est toutefois silencieux. Il vit dans la léthargie de la vie adulte. Entre imprimantes et machines à écrire, doux rêve et dure réalité, la violente répétition du chant des machines plonge dans une transe incessante dont il est difficile de s’extirper. Pièce en trois courts mouvements à l’esthétique résolument rythmée et bruitée, mais tout en subtilités, «omnicité(léth@rgie)» s’inscrit dans une série en cours de création.

“omnicité(léth@rgie)” is a reflection on the ubiquity of advertising and how it manipulates us and influences our lives. It metaphorically tells the daily life of an employee of a printing plant escaping in his daydreams. Surrounded by the words, he’s silent. He lives in the lethargy of adult life. Between printers and typewriters, sweet dreams and harsh realities, the violent repetition of singing machines plunges the listener into a trance that is hard to escape. Composed of three short movements with decidedly rhythmic and noisy aesthetics, “omnicité(léth@rgie)” is part of a series being created in 2016.

Vincent Fillion est un jeune artiste sonore basé à Montréal. Adepte du field recording et du détournement audio, ses compositions plongent l’auditeur dans un univers concret et imagé. Entre acousmatique et ce qu’il aime appeler « lo-fi électroacoustique » se cache une expérience sensorielle immersive et portée sur la réflexion.

Vincent Fillion is a young sound artist based in Montréal. Passionate about field recording and audio hacking, his compositions immerse the listener in a concrete and pictorial universe. Between acousmatic and what he likes to call “lo-fi electroacoustics” hides a deep emotive and thoughtful experience.

internal video play
Fernando Alexis Franco Murillo — Untitled#1 (6:35 / 2015)

Fernando Alexis FRANCO MURILLOUntitled#1 (video — 6:35 / 2015)

Untitled#1 was created with the stop motion and light painting technic. It explores the idea of pattern repetition. With the use of glitch and noise type sounds and a tremolo effect, the music mimics the frame by frame animation of the video.

Fernando Alexis Franco Murillo étudie actuellement en composition électroacoustique au Conservatoire de Musique de Montréal sous la direction de Louis Dufort. Boursier du Conservatoire de Musique de Montréal, du Conseils des Arts du Canada et lauréat de la quatrième place du prestigieux concours JTTP, il obtient le prix du Conservatoire en composition Électroacoustique au printemps 2015. Ses œuvres ont été présentées à travers le Canada ainsi qu’aux Etats-Unis, Chili, Portugal, Espagne, France et Corée du Sud.

It is at Concordia University that Fernando Alexis Franco Murillo discovered a new form of expression with electroacoustic music. His music is inspired from personal experiences and human emotions like love, sadness and anger. He completed a bachelor’s degree and a master’s degree at the Conservatoire de musique de Montréal under the direction of Louis Dufort. As a Canadian Council for the Arts recipient, his music has been played across Canada, United States, Chile, Portugal, Spain and South Korea. His piece Qualia was awarded the 4th at the 2014 edition of the prestigious JTTP composition contest and his composition Noche Triste was awarded the 2nd place at the Mutek’s Fill the Music Box composition contest.

Colin FRANK — Interior-Exterior Spaces Along Tram line 1 (Scheveningen-Delft) (6:10 / 2015)

This study focuses on the discontinuity between a tram’s inside verses the outdoor space it traverses. The interior of a tram contrasts with the landscape it passes through: inside people are stationary and passive, encapsulated by the squealing, rattling, and heat of the machinery; while the exterior world exists primarily as images for the traveller, bearing little if any visceral connection, and providing a continuous stream of varying spaces. I attempted to emphasize this relationship by studying a selection of stops along The Hague’s tram #1 line. As I travelled from Scheveningen to Delft I would hop off the tram, record the area within walking distance, then catch the next tram 10 minutes later. The collected recordings were then edited in an attempt to juxtapose the sounds at each stop against an amplified image of the tram’s interior. To ensure the montage emulates the line’s length, I spliced the sound files together proportional to the total distance, and condensed the one hour ride into 6 minutes of audio.

Colin Frank is a Canadian composer, percussionist, and electronic musician. Coming from the Ottawa hip-hop and punk-ska scene, he studied percussion and composition at McGill University’s Schulich School of Music. Steady and straight thinking, he played with the McGill Symphony Orchestra and National Youth Orchestra of Canada, but quickly changed sides into the madness of New Music. He has performed and composed in Canada, the US and Europe at various festivals, including the Nief-Norf Summer Festival (Greenville, SC), the Summer Institute for Contemporary Performance Practice (Boston, MA), the Bozzini Quartet’s Montréal Creative Music Institute and the SoundSCAPE new music festival (Maccagno, Italy). Colin is currently situated in The Hague (NL) attending classes at the Institute of Sonology.

Gilles FRESNAIS — Les chants de la mer (9:09 / 2016)

Non, la mer n’est pas ce monde du silence décrit par Cousteau. Pour qui veut et peut écouter la vie qui s’ y déroule, tout un monde étrange apparaît : appels au voyage, aux congénères ou cris de ralliement. Fasciné par toute cette vie et par la musicalité de ce monde, j’ai tenté de le mettre en musique en utilisant presque exclusivement des sons enregistrés sous l’eau qui révèlent la grande diversité des habitants des abysses.

The sea isn’t actually the silent world that Cousteau described. If you’re willing and able to listen to the life there, a whole world appears; you’ll hear calls to travel, calls from fellows or rallying cries. I was fascinated by the life and the musicality of this world, so I tried to put it into music using almost entirely sounds recorded underwater. These sounds truly reveal the incredible diversity of the inhabitants of the deep.

Membre du GRM de 1970 à 1974, Gilles Fresnais participait aux activités du Groupe que dirigeait François Bayle, en tant qu’assistant de Guy Reibel qui enseignait aux côté de Pierre Schaeffer. En tant que compositeur, il a activement participé à la réalisation de la bande sonore et aux représentations de l’opéra de Maurice Ohana « Autodafé » à l’opéra de Lyon sous les directions conjointes de Theodor Guschlbauer et Claire Gibault en 1971. Il s’est ensuite occupé avec Jacques Lejeune des bandes sonores de films confiés au groupe dans ce qu’on appelait la « cellule de musique pour l’image ». Il a effectué en 1971 une mission d’enregistrement à Bali. Un court métrage a été réalisé et l’OCORA a publié deux disques consacrés à la musique de cette île (trois autres disques on été publiés par EMAC-Butterfly). En tant que compositeur de musique électroacoustique, il a participé à quelques concerts au Québec et, en 2013, à la Nuit de la création au Musée national des beaux-arts du Québec, ainsi qu’à l’Université Laval, Québec (2012 et 2013), au festivals Sonorities (Londre, R. U.) en 2015 et ISEA 2015 à l’université de Vancouver (Canada) en 2015. Certaines de ses œuvres sont diffusées sur France Musique (Paris).

Member of the GRM from 1970 to 1974, Gilles Fresnais participated in the activities of the group headed by François Bayle as Guy Reibel’s Assistant who taught alongside Pierre Schaeffer in the electroacoustic music composition class and musical research at the Conservatoire national de musique in Paris. In 1971, as a composer Mr. Fresnais actively participated in producing the ‘’Autodafé” opera soundtrack and performances by Maurice Ohana at Lyon Opera under the joint direction of Theodor Guschlbauer and Claire Gibault. Research Assistant at the GRM, he then worked with Jacques Lejeune on movie soundtracks entrusted to the group in what was called the “cellule de musique pour l’image (‘’music cell for images”). He was also involved in a recording mission in Bali in 1971. A short film was produced for the occasion and OCORA released two discs devoted to the music of this island (three other discs were released by EMAC-Butterfly). In addition, some of his photos were purchased by the Havas Agency. A resident of Québec since 1974, he participated as a composer of electroacoustic music in some concerts in Saint-Hyacinthe, Québec and, in 2013, he performed at la Nuit de la création au Musée national des beaux-arts du Québec, as well as at Université Laval (2012 and 2013). Some of his works were broadcast on France Musique in 2013. Despite a few musical activities, he took up composing again in 2010 using new digital audio methods. Vox Aeternam was his first successful piece with this technology. A second piece, Les chants de la terre (Earth Songs), was premiered at Université Laval as part of CRANcert 2014 (Henri-Gagnon hall). Currently, a fervent musician of Moog’s and computerization (Jean-Pierre Desrocher) is working on an original variation of Vox Æternam.

Christopher J. GORMAN — Hieros Gamos (12:00 / 2016)

Named after an elaborate and symbolic sexual ritual that describes the marriage between a God and a Goddess, Hieros Gamos is an elemental form of interplay and gesture where a singular movement attempts to unlock the bizarre mystery of this ancient union.

After completing an undergrad in Electroacoustics at Concordia University in Montreal, Christopher Gorman continues to make music in the hopes that the creative process will elevate him to the celestial spheres. When he is not overtaxed with family and domestic obligations, he can be found in his home studio/bunker, pondering feverishly over his next “piece”.

Dylan GOUZE — Antiques of tomorrow (5:42 / 2016)

Antiques of Tomorrow is an electroacoustic composition made from the manipulation of potentially endangered objects. The sounds of Newspapers, coins, and audio cassettes are primarily heard, as well as the recordings of car engines turning on, and old dial-up tones. The recordings where processed through pitch shifting, overlapped looping, and granular synthesis. Antiques of Tomorrow is an artistic representation of the sounds we are leaving behind, as we continue to rapidly advance our technologies.

Dylan was raised in Toulouse, France until he moved to Montréal at the age of 9. He graduated from John Abbott College in performing arts and was in two professional plays shortly after his graduation. He then attended Ryerson’s acting school for one year, before coming back home to Montréal in 2011. Since then, Dylan has immersed himself in music and sound. In 2013 he completed the Montréal DJ School program with a perfect score on his final mix, and in 2014 he began his education at Concordia University in the Electroacoustics undergrad program. Since his enrolment, Dylan has continued to push himself in the exploration of scientific understanding of sound and the artistic possibilities that sound exposition has to offer.

Matthew HORRIGAN — In the Minimal Senses (7:56 / 2015)

Un recherche pour l’identité incomplet a produit In the Minimal Senses. Les enregistrements de piano, vibraphone et guitar électrique sonnent avec les vélocités changeants. Ils mélangent avec les sons de matériel audio défectueux ou mal utilisé. Les voix apparaissent brièvement avant de disparaître encore sous le bruit de synthèse, analyse, synthèse. Le composition final assailli les significations accordée par les sons originals, qui ont était de parti les utils pour la regulation des emotions. En connection avec ce composition je pense de laquelle Stuart Hall appelle une ‘Minimal Self’ - quelque chose qui est plus habitué à la changement qu’à un condition particulier.

In the Minimal Senses emerges from a long-term and ongoing struggle for identity. Recordings of piano, vibraphone and electric guitar play back at continuously altered speeds. They blend with the signals of faulty or misused digital recording equipment. Voices appear briefly before submerging in the noise of documentation, synthesis, processing, synthesis. The final composition assails the meanings afforded by the original materials, which had in part been tools for emotional regulation. What eventually becomes available to the ear instead constitutes an irreparable distortion and tribute to technological displacement. In connection with this piece I think of what Stuart Hall calls a ‘minimal self’: one more accustomed to change than to any particular condition. This is not a work of technical perfection. Recording errors figure in the piece’s form, providing its rhythmic backbone. In the Minimal Senses’s harmonic palette embraces noise and sensations of competition between sound sources. In its treatment of voices, guitars and recording artifacts, the piece channels a popular tradition of relating brokenness and aggression. Grunge music from the 1990s presented aggressive acts as evidencing damage as much as causing them. In the world of the arts generally, aggression had acquired a negative image - a problem to be solved instead of a capacity to be demonstrated. Popular musical signifiers of masculinity in modernity related literally to broken equipment - guitarists ‘driving their amplifiers hard’, or even hacking up speakers with razor blades, as The Kinks apocryphally did before recording their smash hit “You Really Got Me”. Especially after World War II, the sounds of factories and internal combustion engines produced echoes in the repetitive, harmonic-rich materials of modern rock and dance music. Now, in rock & roll’s twilight, harsh distortion has moved from signifying virility, to signifying brokenness, to signifying confusion, chaos, disjunction. In the Minimal Senses takes up a few threads of late rock & roll in the acousmatic realm, working through some of the conflicts and exhilarations of their multivalent heritage.

Matthew Horrigan a grandi à Ottawa parmi les parcs et terrains de soccer vieillissants qui remplissent le banlieue de Barrhaven. Il étudiait le piano avec Hoda Nassim et Elisa Lane pendant son adolescence. En 2010 il a déménagé à Montréal pour poursuivre son B.Mus à McGill University, ou ses instructeurs principes étaient John Rea et Brian Cherney. Tandis qu’il habitait à Montréal, Matthew a commencé de jouer de la batterie, puis a joint le groupe de rock Sister Island avec Cole Gleason et Austin Lloyd. Maintenant, Matthew vit et étudie principalement à Vancouver, poursuivant une MFA à Simon Fraser University sous la direction de Arne Eigenfeldt. Projets récents ou en cours inclurent l’émission radio re:composition (à CFRO 100.5 FM Vancouver), le performance de theatre sonore Flatness, et l’accompagnement musicale pour une piece appelée The Exquisite Corpse du groupe de dance MAYCE.

Matthew Horrigan grew up in Ottawa amid the shady parks and ageing soccer fields that fill the suburb of Barrhaven. He studied classical piano with Hoda Nassim and Elisa Lane during his adolescence. In 2010 moved to Montréal to pursue an undergraduate degree in composition at McGill University, where his principal composition teachers were John Rea and Brian Cherney. While in Montréal he also began playing the drum kit, joining with singer/songwriter Cole Gleason and bassist Austin Lloyd to form the folk/rock band Sister Island. Matthew hopes to find his way back to rock’n’roll again someday. He now lives and studies primarily in Vancouver, pursuing an MFA from Simon Fraser University under the supervision of Arne Eigenfeldt. Recent and on-going projects include the radio show re:composition (covering new concert music on CFRO 100.5 FM Vancouver), the upcoming soundscape theatre work Flatness, and the score for a piece called The Exquisite Corpse by MAYCE dance.

Dominic JASMIN — Mécaniques adaptatives (8:19 / 2016)

Cette machine ne peut être arrêtée, elle trouvera toujours façon de compléter son cycle peu importe ce que vous essayez.

This machine is unstoppable, it will always find a way to complete its cycle no matter what you try.

Compositeur électroacoustique montréalais. La musique de Dominic Jasmin est basée sur l’arrangement et le traitement des sons de tous les jours, desquels il cherche à faire jaillir la poésie intrinsèque. Il étudie présentement la composition électroacoustique au Conservatoire de Musique de Montréal.

Montréal-based electroacoustic composer. Dominic Jasmin’s music is based on the arrangement and transformation of found sounds to extract the intrinsic poetry found in them. He is currently studying electroacoustic composistion at the Conservatoire de Musique de Montréal.

Mathieu LACROIX — Studie II - Nyctalope (8:12 / 2015)

Studie II is a work for solo cello and electronics which explores the axis of noise/tone on the instrument as well as with the electronics. The idea of a physical gesture being replicated within the world of electronics and having a tight synchronicity between the acoustic and electroacoustic is also a main point of the piece.

Mathieu Lacroix is a French-Canadian composer and producer based in Norway, where he completed his BA in 2014 at NTNU, and his MA in 2016 at the same institution. His main areas of study are composition, mixed music and the hybrid role of the producer/composer. He has studied composition under some of Norway’s most known composers, such as Terje Bjørklund and Ståle Kleiberg.

Alexis LANGEVIN-TÉTRAULT — Dévorer l’espace (7:46 / 2015)

À la recherche d’un impossible ailleurs, je tente de saisir les vertiges. Cette pièce octophonique est constituée de prise de son créative, de traitement numérique et de synthèse. Elle explore les possibilités de spatialisation et de relation entre le micromontage et les trames. Cette pièce cherche a évoquer l’euphorie de la vitesse et de la fuite. Elle est inspirée par les comportements de vol des corbeaux et par la morphologie de leurs nids.

Yearning for an impossible elsewhere, I try to seize vertigines. This octophonic piece is the result of creative sound recording, digitalprocessing and synthesis. It explores the possibilities of relationship between micromontage and drones.

Alexis Langevin-Tétrault est un compositeur et un artiste de performance. Né à Baie-Comeau sur la Côte-Nord, il habite Montréal depuis 2002. Il a participé à la fondation de différents projets de musiques électroacoustiques, rock et électroniques dont QUADr, Falaises, Alexeï Kawolski, BetaFeed et Recepteurz. Après une première formation en sociologie à l’université du Québec à Montréal axée sur l’étude de l’impact du développement des technologies numériques en musique, il choisit de se consacrer à la création musicale. Il a récemment terminé un baccalauréat en musiques numériques et il complète présentement une maitrise en composition électroacoustique avec Nicolas Bernier. Il collabore entre autre avec l’observatoire interdisciplinaire de création et de recherche en musique. Il contribue aussi à l’élaboration d’outils audionumériques de diffusion multiphonique au groupe de recherche sur l’immersion spatiale dirigé par Robert Normandeau à l’université de Montréal. Ses œuvres sont présentées par différents festivals à travers le monde, dont ISEA, MUTEK, Futura, MNM, BIAN et TIES. Son travail a notamment été récompensé par la fondation Destellos en 2014 et en 2015 ainsi que par la fondation SOCAN en 2015. Son travail actuel est consacré à la composition de pièce électroacoustique de concert et à l’interprétation de musique électroacoustique par la performance. Ses oeuvres se caractérisent par l’utilisation critique et approfondie des technologies audionumériques, par la conception méticuleuse de sons de synthèse, par une recherche de raffinement du timbre sonore et par un souci conceptuel. Il cherche à dépasser le statut d’utilisateur de la technologie pour la prendre en charge et la détourner d’une façon créative afin de développer un discours musical unique et non-stéréotypé. Par ses créations, il vise à témoigner d’une vision réenchantée et pro-active du monde actuel. La musique est une façon de créer pour le public des moments d’émerveillement, de fascination, de remise en question et d’appel à l’action. Après une période maximaliste, il a cherché dans les dernières années à préciser et épurer son écriture musicale. Il s’intéresse principalement aux possibilités de relations entre trames et articulations, aux affects du son, à la rigueur du micromontage et à la gestion de l’espace comme élément du discours musical.

As a composer, multi-instrumentalist and stage artist, Alexis Langevin-Tétrault has contributed to a variety of experimental music projects under the guises of QUADr, Falaises, Alexeï Kawolski, BetaFeed, Recepteurz and Destaël while also scoring short films and composing stage play music. He is now enrolled in the University of Montréal’s electroacoustic music programme, where he is studying with Robert Normandeau and Nicolas Bernier. His work was recognized by Fondation Destellos in 2014 and 2015 and by SOCAN Foundation in 2015.

Joël LAVOIE — Bleu01 (14:09 / 2015)

Autre part, sans aucun doute.

Somewhere else, without a doubt.

Joël Lavoie est un compositeur noise/ambient/electro de Montréal et ce, depuis qu’il a conscience. Très sensible à son environnement, sa musique allie les paysages sonores qui l’entourent à la déraison des parasites électroniques et instrumentaux. Le tout avec une intensité comparable à une rage de dents ou une balade en téléphérique. Improvisateur, performeur et artiste sonore il a aussi fait des conceptions sonores pour différents spectacles de danse, poésie et théatre. Sa musique l’a amené à jouer à Montréal, au Royaume-Uni et en France.

Joël Lavoie is a Montréal-based noise/ambient/electro music composer and has been for as long as he can remember. Very sensitive to his environment, his music allies the soundscapes that surrounds him with the unreasonableness of electronic and instrumental parasites. All of this made with the same intensity of a toothache or a promenade in a gondola. Improviser, performer and sound artist, hehas made sound conceptions for dance, poetry and theatre shows. His music has brought him to play in Montréal, the United Kingdom and France.

Pierre-Luc LECOURS — Pulse | Iteration II (10:00 / 2016)

Itération est la deuxième pièce d’un cycle explorant la pulsation. Cette composition s’est construite autour des idées d’accélération et décélération d’objets sonores itératifs et celle de la polyrythmie. Les sons proviennent exclusivement de sources électroniques et ils ont été joués en temps réels. Le but était de composer à partir de séquences jeu ayant été préalablement composées et de les pratiquer jusqu’à obtenir l’interprétation voulue. Ces enregistrements ont ensuite servi à la partie montage de création de la pièce.

Compositeur et multi-instrumentiste, Pierre-Luc Lecours a débuté son parcours musical en tant qu’autodidacte pour ensuite entamer des études en composition électroacoustique à l’Université de Montréal. Il a participé à la composition et la production de plusieurs albums de musique et de bandes sonores de films, pièces de théâtre et applications numériques. Bien que ses œuvres couvrent un large éventail esthétique, il cherche avant tout dans ses pièces à créer un impact émotif et à faire jaillir des images, des impressions. Son travail fut primé par différents concours : Concours de composition de la fondation Destellos 2014, Concours des jeunes compositeurs de la Fondation SOCAN 2014 et le concours Jeu de temps / Times Play de la CEC en 2014.

Composer and multi-instrumentalist, Pierre-Luc Lecours began his musical career as a self-taught musician before studying electroacoustic composition at Université de Montréal. He has participated in the composition and production of several albums and film soundtracks, theatre and digital applications. Although his work covers a wide range of æsthetics, Lecours always aims to create emotional impact and to create successions of images with his music. In 2014, his work was prized in the Destellos Foundation Electroacoustic Compositions Competition and in the SOCAN Foundation Awards for Young Composers and in the CEC’s Jeu de temps / Times Play 2014 competition.

Cédric LEFRANÇOIS-DROLET — Reliefs (5:30 / 2016)

Le système auditif ne fait pas que capter, traiter et encoder un amas de fréquences à diverses intensités, il fournit l’information nécessaire à la formation de paysages sonores marqués par différentes morphologies, différents reliefs qui s’entrecroisent et se frôlent. C’est en tentant de démystifier ces reliefs que nous parvenons à comprendre ce monde sonore qui se confie à nos oreilles à chaque instant

Cédric Lefrançois-Drolet est un compositeur montréalais étudiant à temps plein au baccalauréat en musiques numériques. Il a composé sous la tutelle des professeurs Martin Bédard et Georges Forget. Il a diffusé pour la première fois au festival ULTRASONS en avril 2016.

Charles-André LEROUX — Le Vertige (9:24 / 2016)

Les yeux rivés vers un ciel étoilé, un enfant se plonge dans l’imaginaire d’un voyage aux confins de l’univers.

Étudiant au baccalauréat du programme de Musiques numériques de l’Université de Montréal, Charles-André Leroux est un artiste en devenir cherchant à réaliser des projets diversifiés afin d’élargir sa palette artistique. Ayant étudié en cinéma au cégep de Saint-­Laurent, Charles-André ajoute à ces pièces un côté cinématographique assumé ou le spectateur peut se créer une histoire dans sa tête. De 2012 à 2015, Leroux devient membre fondateur du groupe de post-­rock progressif nommé Globe Triton. Le groupe de trois membres seulement (guitariste, bassiste et batteur) se veut être un projet instrumental ou les effets de guitares et les rythmiques syncopés et changeantes sont monnaie courante. Ne prenant pas son attitude au sérieux, mais la musique au sérieux, Globe Triton signe des titres se voulant à la fois épique et humoristique. Le groupe s’éteint malheureusement faute de temps et d’investissement des membres dans leurs programmes scolaires respectifs. Admirateur de science-­fiction, d’univers absurde et des ambiances « cartoon », il n’est pas rare d’entrevoir une touche d’humour dans plusieurs de ces projets. Réalisant présentement des projets d'électroacoustique, Charles-André tâte le terrain de la musique électronique et désir combiner ces multiples intérêts dans la production de vidéomusique ou la production sonore pour jeux vidéo.

Michael LUKASZUK — Przypadek (8:37 / 2016)

Przypadek is the Polish word for coincidence. It is also the title of a film by Krzysztof Kieslowki that partly inspired this piece. The film explores how a seemingly insignificant event can drastically affect one’s future. I tried to represent this idea in the use of randomness and chance devices. Certain moments in this piece rely on field recordings, but the majority of the material explores the computer’s ability to replicate and extend real world sounds. Some the recorded sounds used in this piece could be considered quite banal on their own, but they become more significant when juxtaposed with seemingly similar computer-generated events that create a kind of extra-real atmosphere.

Michael Lukaszuk is a Canadian composer, laptop performer and programmer based in Cincinnati, Ohio. He is currently pursuing a DMA in Composition at the University of Cincinnati, College-Conservatory of Music where he studies with Mara Helmuth. Michael holds a degree in composition from the University of Western Ontario. His music has been performed at events such as the Toronto International Electroacoustic Symposium, the SEAMUS National Conference, the New York City Electroacoustic Music Festival, Electronic Music Midwest and New Music Edmonton’s Now Hear This Festival of New Music. In 2015, Michael received 1st prize in the SOCAN Foundation’s Hugh Le Caine Awards for electroacoustic music. He is the director of the Cincinnati Composers Laptop Orchestra Project (CiCLOP).

Xavier MADORE — Ready about… Tacking (11:01 / 2015)

Immersion dans un univers sonore à la chronologie franchement hachurée; à la lisière de l’onirisme et d’une recherche plastique, aux frontières de la surface et de l’abysse. Tantôt faseyant timidement entres les divers plans, tantôt passant de l’un à l’autre par le biais d’un violent coup de bôme. «Ready about... Tacking» emprunte au monde de la voile sa matière sonore, sa surprenante variété de secousses énergétiques, sa frénétique course vers l’avant…

Xavier Madore a d’abord été piqué par l’art sonore avec Michel Tétreault et Pierre-Marc Beaudoin. Il étudie présentement au Conservatoire de Musique de Montréal en Composition Électroacoustique. Clarinettiste à la base, c’est son penchant pour la chanson et la poésie qui déteint le plus sur son travail. Ses réalisations sont notamment axées sur la recherche d’une narrativité structurelle et préconisent un discours aux gestes articulés.” Son travail a notamment été primé lors de l’édition 2015 du concours de composition électroacoustique JIM (3e place ex æquo), dans le cadre du concours de composition JTTP 2015 (1ere place), par l’exposition d’art contemporain HPO Invisible Orchestra à Toronto et par Exhibitronics #5 à Strasbourg.

Xavier Madore was first “struck” by sound art while studying with Michel Tétreault and Pierre-Marc Beaudoin and is presently continuing his studies at the Conservatoire in Montréal. Primarily a clarinettist, his inclination for song and poetry are important characteristics in his work. His pieces are particularly focused on finding a narrative structure and advocate a discourse of articulated gestures.

Daniel MARQUEZ — Higuerote (5:12 / 2016)

Higuerote (2016) is is a five-channel acousmatic piece. It served as an exploration for the creation of sound objects derived from recordings of a single source - the acoustic guitar.

Daniel Marquez is a Venezuelan composer, sound designer and sound mixer based in Montréal. His educational background in media studies and electroacoustic music have imparted in him a keen ear to work with various genres of music and post-production sound for film and video.

Hans MARTIN — Poïèse (7:01 / 2016)

La poïèse est une production. Cette pièce est un acte de production.

Poïesis is a production. This piece is an act of production.

Hans Martin étudie la composition au Conservatoire de musique de Montréal dans les classes de Serge Provost, Louis Dufort et Jimmie Leblanc. Ayant d’abord composé des œuvres électroacoustiques lors de ses études collégiales avec Michel Tétreault et Pierre-Marc Beaudoin, il s’intéresse à la symbiose entre une écriture numérique et instrumentale.

Jon MARTIN — Black Sea Bombers (11:14 / 2016)

Black Sea Bombers is a multi-channel, fixed-media electroacoustic composition that provides social commentary on recent events in occurring in Eastern Europe through the lens of the West. It explores how understanding of the past can influence or shape the understanding of the present through the use of abstract and abstracted sound, aural mimetic discourse, fragmentation, and surrogacy, and is based around a poem of the same name.

Jon Martin is a Canadian composer of electroacoustic and contemporary music composer currently residing in southern Alberta pursuing his Master of Music degree at the University of Lethbridge, with a research focus in music psychology and composition. His work explores aspects of music psychology including musical expectancy, timbral recognition, perception, semiotics and cultural bias, and includes a permanent 12-channel installation at the world-class Royal Terrell Museum in Drumheller, Alberta. Other interests include long-form composition, spatialization, fixed-media sound installations, live performance, travel and culture, and advanced digital signal processing. He works as a freelance music producer and as Graduate Teaching Assistant at the University of Lethbridge.

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Antoine Missout — Syntonisation (3:15 / 2016)

Antoine MISSOUTSyntonisation (video — 3:15 / 2016)

“Trois-déification” de la syntonisation d’un signal dans une télévision cathodique. Le charme dans l’hésitation de l’établissement d’une connection analogique, retraitée par un système de particules tri-dimensionnel.

Antoine Missout, diplomé en génie logiciel, étudiant en musique numérique, auteur du logiciel Sonic Birth.

Vincent MONASTESSE — BeLLZeEBull (8:34)

Composée à l’origine pour un trio de danseurs en collaboration avec la chorégraphe Stacey Désiliers, BeLLZeEBull suit une forme qui permet aux interprètes de mettre en valeur la pantomime dans une partie A, un travail ancré au sol pour une montée de type extatique dans une partie B, et finalement une finale tout en relâchement dans une partie A’. Une version concert de cette musique d’application suivra avec l’utilisation de la spatialisation en mode octophonique afin d’y conserver son caractère et sa mouvance à l’origine soutenue par les danseurs. Structure asynchrone pour danseurs imaginaires.

Mon initiation à la musique remonte à la prime enfance alors que j’apprends à jouer du violon avec Les Petits Violons de Jean Cousineau. Mon parcours musical subit alors une première interruption, je n’y reviendrai que 6 ans plus tard à l’âge de 20 ans alors que j’entreprends des études en chant populaire avec Philippe Parent tout en préparant mes auditions pour des études universitaires en chant classique que je poursuivrai sous la supervision de Gail Desmarais à l’Université de Montréal mais avec comme réelle passion l’écriture instrumentale. Après l’obtention d’un premier Bac en 1994, nouveau changement de parcours, je me redirige alors vers le secteur de la santé, plus précisément celui de la masso-kinésithérapie et de l’ostéopathie, métiers que j’exerce depuis, en plus que d’avoir enseigné la massothérapie, l’anatomie et la physiologie générale. Ça n’est donc qu’en 2010, au moment d’un retour aux études en musique au sein d’un programme nouvellement mis sur pied (Musiques numériques) à l’Université de Montréal, que je me retourne vers l’électroacoustique; je complète ainsi un 2e Bac au sein de ce nouveau programme et fais mon entrée à la maîtrise sous la supervision de Robert Normandeau. Mon projet s’intéresse à la prosodie et à son imitation aux instruments musicaux comme support à une poïétique pour la composition électroacoustique.

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Jean Philippe Pierre-Louis — Puntito_visual (6:33 / 2016)

Jean Philippe PIERRE-LOUISPuntito_visual (video — 6:33 / 2016)

Étude de forme qui vise à établir un langage audiovisuel capable de communiquer des expériences sociales et des observation personnelles sur l’individualité. « Le point est un petit monde à part – isolé plus ou moins de tous côtés, et presque arraché de son entourage. L’intégration à son entourage est minime et paraît inexistante si le point est parfaitement rond. » -Kandinsky

Form study that aims at the creation of an audiovisual language capable of communicating social experiences and personal observations on individuality. “The point is a small world in itself- more or less isolated from all sides and almost torn off from its surroundings. The integration to its surroundings is minimal and seems nonexistent if the point is perfectly round.” Kandinsky

Né à Quito en 1989, Pipo Pierre-Louis grandit dans un milieu multiculturel dès sa plus jeune enfance. Il entreprend depuis 2006 des études en musique à l’École de musique Vincent-d’Indy puis à l’Université de Montréal. Tout le long de son parcours il étudie, entre autres, le jazz, les sciences de la perception, la musique du monde et il réussit à imprégner au final, sa production artistique d’une touche unique. Depuis 2010 il se consacre à la création d’oeuvres qui mélangent musiques numériques, vidéo et dispositifs interactifs. Son travail est fortement inspiré par des problématiques sociales, la modernité et l’engagement environnemental; concepts qu’il essaye de rendre perceptibles à travers une poésie audiovisuelle épurée.

Pipo Pierre-Louis is a sound, video and new media artist born in Quito, Ecuador and established in Montréal. Directly influenced by an array of different cultures and a variety of academic disciplines since his early life, he creates new media art, music-based compositions and performances shaped by rich personal experiences. His artistic concerns focus on social behaviours, modernism and environmental activism in a constant research to translate them with technological media. Presently he is undertaking a master degree in electroacoustic composition under the direction of Jean Piché and Nicolas Bernier.

Jérémie RICARD — CORROSION des alliages (7:19 / 2016)

Corrosion: Altération d’un matériau par réaction chimique avec un oxydant causant une dégradation de ses propriétés. La corrosion n’est qu’un retour à l’état naturel pour ces métaux façonnés par l’homme. ALLIAGE: Combinaison d’un élément métallique avec un ou plusieurs autres éléments chimiques. Une collection de sons métalliques de toutes sortes liée avec des éléments de traitements (chimiques) crée de nouveaux alliages. En les assemblant, un agent oxydant est venu corroder la structure provoquant un retour à sa forme originale.

Corrosion: Conversion of a material by a chemical reaction with an oxidant that causes a degradation of its properties. Corrosion is nothing more than the process by which metal forged by humans returns to its natural state. ALLOY: Combination of a metallic element with one or more other chemical elements. In Corrosion des alliages [Corrosion of Alloys], a collection of all sorts of metallic sounds held together with (chemical) processing elements creates new alloys. After they have been assembled, an oxidizing agent corrodes the structure, causing it to return to its original form.

De 2000 à 2005, le Louisevillois Jérémie Ricard a fait ses études en musique, en enregistrement et en sonorisation au Cégep de Drummondville. C’est à cette époque qu’il a été initié à la musique électroacoustique et à ses méthodes de création. Depuis, il a toujours été fasciné par les sons de toutes natures et à leurs porter une attention particulière. Après ses études, il a participé à plusieurs sessions d’enregistrement et de mixage en studio mais c’est surtout le travail de sonorisateur qui a occupé ses dix dernières années. Il a joué de la batterie dans plusieurs projets musicaux où il en profita pour améliorer ses techniques de mixage et de prise de son en enregistrant chaque répétition. Avec les années, il a fait quelques ébauches de composition qui se voulaient électroacoustique mais c’est en automne 2015 qu’il décide d’approfondir ses connaissances sur ce style musical en allant étudier à l’Université de Montréal.

From 2000–2005, the Louisevillois Jérémie Ricard studied music, recording and sound reinforcement at Cégep de Drummondville. At that time, he was introduced to electroacoustic music and their creation methods. Since then, he has been fascinated by all kinds of sounds around him and has showed a particular interest in them. Following his studies he participated in several recording and mixing sessions in the studio but his work over the past ten years has mainly been as soundman. He also played drums in several musicals projects where he took the opportunity to improve his mixing and sound recording techniques by recording each and every rehearsal. Over the years, he made some sketches of composition that tended towards electroacoustics, and finally in autumn 2015 he decided to deepen his knowledge of this musical style by returning to study at Université de Montréal.

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Pierre-Luc Senécal — In(side).Your.Face (4:40 / 2015)

Pierre-Luc SENÉCALIn(side).Your.Face (video — 4:40 / 2015)

Dans cette composition, j’ai mêlé l’esthétique métal et la confection électronique pour explorer le visage, notamment celui de trois camarades chanteurs de death metal. Contrairement à la pensée populaire, cette musique a peu avoir avec la haine. Le cri (il est souvent au centre de ce genre musical) est un acte démesuré, à l’image de la réalité surréelle dans laquelle nous vivons. Ainsi, In(side).Your.Face est une grande farce, un grand cri, une célébration de la joie d’être en vie.

In this video, a blend between the aesthetics of heavy metal and the craftsmanship of electronic music, I have explored the powerful appeal of a screaming face, especially the one of three friendly death metal singers. The scream, a cornerstone of the death metal genre, is an excessive gesture, which, far from being an advocacy of hatred, somehow echoes the surreal reality in which we live. Thus, In(side).Your.Face is a very loud joke, a shout of celebration and gratefulness for being alive..

J’ai 12 ans quand la musique commence avec la guitare, Pink Floyd, Iron Maiden, Metallica. J’en ai 19, et elle continue avec l’électroacoustique, également colorée par le post-rock et le death metal. Aujourd’hui, 25 ans, après avoir reçu les enseignements de Robert Normandeau, Nicolas Bernier et Jean Piché, je créé une musique de passions. Viscérale, celle-ci est portée vers les extrêmes, mélangeant la brutalité et du métal et la sensualité de l’électroacoustique, oscillant entre poésie lyrique et beauté transgressée. Touche-à-tout, je m’intéresse autant au rap qu’au pornogrind, à la critique musicale qu’à la musique de scène, à la politique internationale qu’à l’histoire.

I was 12 when I told my father I wanted to learn guitar. It was the start of thousands of hours listening to Pink Floyd, Iron Maiden, Metallica, Sigur Rós, Godspeed You! Black Emperor and practicing technical death metal. Today, I am 25 and have completed an undergraduate in Digital Music with teachers such as Robert Normandeau, Nicolas Bernier and Jean Piché at l’Université de Montréal. To me, music is everywhere, whether it’s organized or disorganized sounds. I hope I’ll keep finding it in acousmatic music, music journalism and in the other numerous projects I always lead.

Stephen SEREDA — MaMa Goes Shaloopin (12:33 / 2016)

My name is Stephen Sereda and I am a relative newcomer to Sound Art and specifically Electroacoustic.I have been composing and performing with Motonogo as well as solo. I have done over 20 performances in the last 3 years since I began experimenting with soundscapes. I just did a gig at Bohemia playing guitar on a piece by Hari Maia a metal soundscape artist from Brazil. I’ve done quite a few others on my own around town over the past year and will be playing Cha Island next month. As well, I’ve played with Motonogo at The Works, the Fringe, Sasquatch Gathering and Kaleido festivals, I usually use a laptop with some processors as well as keyboard and guitar. I would need two quarter-inch outputs to the sound system. I am also on some compilations released in the UK and in Norway and am working on a full-length release for digitalDIZZY Records in Bath UK).

Vanessa SORCE-LÉVESQUE — Éclats de feux (10:08 / 2016)

Pièce charnière entre mon expérience canadienne et celle que j’ai commencée au Royaume-Uni, Éclats de Feux tire ses origines de multiples prises de son d’objets et d’environnements trouvés dans les entourages de Sheffield. Par conséquent, plusieurs sons ont un caractère industriel, à l’image de cette «Steel City» du Nord. Les feux — et objets sonores qui en sont dérivés —, quant à eux, font référence aux impressionnants feux d’artifice auxquels j’ai été exposée dès les premières semaines après mon arrivée en Angleterre. Ils représentent aussi le trajet fougueux du changement par leur caractère effervescent et imprévisible.

Transitional work of my journey in composition, Éclats de Feux started with many sound recordings of objects and spaces found around Sheffield. As the first piece of my doctoral portfolio, this one acts as a bridge between the school of Montréal, where I come from, and the effervescence of British acousmatic. In this piece, I explored the contrasts between powerful masses and up-close solo objects, with particular sensitivity to the use of space in stereophony, as my research is focused on the interpretation and performance of acousmatic music. The title refers to the impressive bonfire nights and endless fireworks I have been exposed to in the first weeks after my arrival in the UK. “Shards of Fire”, as it translates, also represents the extreme rapidity and intensity with which one’s life may be completely changed with one single voyage.

Vanessa Massera poursuit actuellement ses études doctorales à l’Université de Sheffield. Ses préoccupations actuelles, notamment la dissémination de la musique expérimentale, l’ont menée à investiguer les différentes conceptions de l’interprétation acousmatique dans le but de l’intégrer à une démarche plus large de médiation culturelle. Sa musique, rappelant souvent les éléments naturels, évoque constamment des espaces évoluant du large au délicat, de l’anecdotique au surréel, et est empreinte d’une sensibilité à l’environnement en constante évolution. Ces mêmes qualités souvent associées à la musique acousmatique sont un point de départ évident pour l’étude de l’interprétation et de la spatialisation de la musique électroacoustique, car en effet, comment véritablement représenter une œuvre fixée sur média dans une salle de concert, un espace vivant et où l’information fluctue sans cesse?

Vanessa Massera has recently moved to the UK to undertake research in performance in electroacoustic music, with the intention of completing a PhD at The University of Sheffield. Her current preoccupations with the dissemination of experimental music have brought her to explore the present traditions we may and may not have, investigate the legacy of our community and work toward finding ways of a maximised outreach. There is often a sense of place and environmental energy in her music: places shift, spaces evolve, perspectives change. These ever-evolving environments are a natural starting point for research on the subject of performance of electroacoustic music: How does one effectively transpose one space — encoded onto a hard disk — to a second one, which is live, and in which one constantly receives new information?

Marie-Claude TREMBLAY — Scordatura (6:21 / 2016)

Cette pièce est conçue majoritairement à partir de sons d’alto joués par l’altiste Sarah Martineau et quelques . À la recherche d’une identité sonore différente de celle qui est usuelle à l’instrument et d’une forme de langage musical dérivé, décalé, cette composition s’inspire de façon conceptuelle à la manière d’accorder un instrument à cordes en s’écartant de l’accord normal : scordatura.

Marie-Claude Tremblay est diplômée du Conservatoire d’art dramatique de Québec, d’où elle est originaire. Elle a été amenée à jouer au Théâtre du Trident, au Théâtre Denise Pelletier et à faire de la tournée au Canada et en France. Au début des années 2000, simultanément à son travail de comédienne, elle fait de la direction d’acteur et chapeaute quelques projets de mise en scène. Parallèlement à son amour, du théâtre, la tentation de chanter et son grand intérêt pour la musique présent depuis son enfance, la pousse à se lancer dans un projet pop électronique, toujours actif à ce jour, sous le pseudonyme de Micoe (Micoe, 2010; À retardement, 2012). D’abord musicienne autodidacte, elle poursuit en ce moment des études en musique numérique à l’Université de Montréal et s’intéresse particulièrement à la musique électroacoustique. Boursière du conseil des arts et des lettres du Québec, elle travaille, en 2016, sur un projet de recherche et création.

Paul TREMBLAY — Drag (7:34 / 2016)

In physics, forces acting the opposite way when two bodies are in movement relative to each other define the concept of resistance and friction. The narrative of the piece follows those bodies creating different actions. Through each of the movements, the bodies are translated and adapted by those different agitations and transform the physical reality of the sounds.

Paul Tremblay is a Montréal-based artist. His work is based on exploring different ways and ideas of creating an immersive non-linear narrative by incorporating different mediums like sound, drawing, sculpture and installation. He is currently studying in the electroacoustic major at Concordia and will be heading in the studio art major.

Georgios VAROUTSOS — Reflection (8:00 / 2016)

Reflection by Georgios Varoutsos is an accumulation of digital and field recordings gathered over the months of January until March 2016. The piece is an abstract interpretation of the emotional journey transpired over my academic studies. Such emotions were happiness, confusion, anger, distraught, frustration, and joy. There is a combination of compositional techniques used to encapsulate the material learned over the two year period of studies in the program. The piece is subjected to being a memoir of the times spent in my academic program and how I felt throughout the time being a student.

Georgios Varoutsos is an undergraduate student in the Electroacoustic Studies programme at Concordia University in Montréal. He explores the field of sound with the wide range of projects he's created and has been part of 60x60, as well as CLOrk. He was born and raised in Montréal, and continues to live there for the remainder of his studies. His audio creations derive from different inspirations such as field recordings, digital audio processing, synthesis and experimentation of processing techniques. His signature works encompasses an unorthodox depiction of audio processing in mind of creating tension and emotional reactions.

Samuel VEZINA — Soundculpting 5.1 (5:44 / 2016)

The begining of the piece is made of a recording in the crowd in the church where there was a Christian rock band playing but I use it in reverse mode. Most of the other sound are derivative altered sounds of effects from this recording and recording of a guitar delay pedal glitch. The recording of the guitar effect was also recorded on a cheap tape cassette and used in combination of the microphone source sound.

Samuel Vezina est avant tout un guitariste de jazz Montréalais dans la trentaine qui à commencé à faire de la musique électronique en 2000. Il a autoproduis trois albums sous le nom d’artiste : Samdroledoiseau. Il a obtenu une bourse de recherche et creation du Conseil des Arts et lettre du Québec en 2013. Il a compose, mixé et enregistré ses trois albums qui ce sont écoulés a plus de 4000 exemplaires durant les sept années passées en Gaspésie. Il est maintenant revenu dans sa ville natale depuis 2015 et étudie présentement l’electroacoustique à L’université Concordia. Des concerts à Montréal principalement et un nouvel album sont en préparation.

Travis WEST — The Keyboard (4:47 / 2016)

The Keyboard is a personal reflection on the composer’s journey from pianist to electronic musician. These two categories act as stand-ins for myriad other supposed dichotomies and mutual exclusions: performer and composer, acoustic and electronic, real and virtual, and so on. The main source materials were recorded from the composer’s laptop using a conventional condenser microphone to record acoustic sounds like typing on the keyboard, and using a home made inductive microphone to record the electromagnetic radiation emanating from the electronic circuits hidden inside the computer. The piece was initially composed for 5.1 speakers plus the low fidelity speakers built into a laptop placed on stage. For portability, the laptop speakers have been emulated and mixed into the left front channel. The first sound begins in the laptop speakers, and throughout the piece their fixed position and tone plays in contrast to the other speakers and the sounds that move throughout them, spatially mirroring the supposedly opposing categories of the piece.

Jazz pianist turned electroacoustic laptopist, Travis West is a multidisciplinary composer-performer and life long learner. Fascinated by algorithms, instruments and the soundscapes of everyday life, Travis is interested in composing musical interactions and interacting with musical compositions. His research explores electronic music performance from the lowest level bits and bytes of digital musical instrument design up to the most abstract structural control over compositional algorithms. His compositions have been performed in festivals and conferences across North America such as the Young Songwriters Intensive in Calgary and N_SEME 2016 in Oklahoma. Travis is currently studying his BFA at Concordia University’s department of music with his major in Electroacoustic Studies.

William YOUNG — Fire Inhales and Found Rhythms (7:36 / 2015)

“Fire Inhales and Found Rhythms” is composed entirely of samples derived from a field recording trip to Galiano Island BC, and at Bill’s home on Pender Island. The piece uses the sounds of air intakes on wood stoves, creaking floorboards, and forest ambience in addition to pump organ, electric guitar and voice. Because the piece was composed in Ableton Live, which as a “grid-bias”, the piece has a sense of periodicity and forward momentum.

Bill Young is a composer, songwriter, and performer from the Cowichan Valley and Vancouver BC. He has his BFA from SFU, where he studied under Barry Truax.

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Vanessa Zaurrini — Silhouette (5:26 / 2016)

Vanessa ZAURRINI, Jessica TURCOTTESilhouette (video — 5:26 / 2016)

A collaborative work between video artist Jessica Turcotte and sound designer Vanessa Zaurrini, Silhouette is an atmospheric and intimate look inside a suburban home. It combines images and sounds found within a domestic space, reducing familiar objects and spaces to mere abstract shadows. Dissolving into one another, these shadows offers a glimpse of the filmmakers family members scattered throughout the space. Contrasting the familiar with the unfamiliar, Silhouette is an ambiguous look inside of the filmmakers home.

Vanessa Zaurrini:

The sound palette of this composition is comprised of a wide variety of field recordings and synthesized instruments that gently oscillate from foreground to background. The piece unfolds as a dreamy, atmospheric and surreal environment in an effort to take listener and audience into a far away galaxy that was ironically located in their very own home. The idea behind this was to juxtapose the familiar tonality with the unfamiliar grain delay and dissonance - similarly to how the film oscillates between indoors and outdoors.

Jessica Turcotte:

"My work often acts as a stream of consciousness, which is reflected by the digital video medium that I choose to work with. I have developed a particular liking to explore formal elements throughout my work. I focus on deconstructing tangible objects and spaces into malleable figures of light and shadow. I often rely on ambiguity to encourage different interpretations of my work. I think that an important part of creating is allowing conversation to be had about your art, and so I prefer for others to create their own meaning when viewing my work."

Vanessa Zaurrini is a Montréal-based music composer and sound designer. Her work has appeared in many interdisciplinary projects, including the theatre piece Bengal Tiger at the Baghdad Zoo (2015), the dance piece Lumen Extra Terram presented at Festival Phénomena (2015) and the animation 84 Days in Asia (2015), which was screened at over 10 festivals around the world. Recently graduated in Electroacoustic Studies from Concordia University, she is now beginning a specialization at Université de Montréal in arts, creation et technologies.

Jessica Turcotte is a video artist based in Montréal and is currently majoring in Film Production at Concordia University’s Mel Hoppenheim School of Cinema. Her work is centred around experimental and horror genres, and has appeared in film festivals and galleries such as the Requiem Fear Fest for her video piece Still (2015) and the Galerie VAV Gallery for Silhouette (2016). The majority of her work has always been guided by her intuition to “shoot first and ask questions later.” Focusing on form over content, she is constantly exploring various image-making techniques.

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